Siden starten i 1923 som Disney Brothers Cartoon Studio har det verdensberømte filmstudioet Disney inspirert drømmere til å drømme stort gjennom fortryllende historier, fengende musikk og fascinerende artisteri. Blant de hundrevis av figurene er det noen av dem som er de aller beste.
Selv om figurer som Mikke, Donald og Fedtmule har ikonisk status, er det mange andre i den omfattende Disney-kanon som uten tvil er rikere på tematisk dybde, komplekse metaforer og noen ganger rett og slett bare mer piff. Så hvem fortjener anerkjennelse som de beste av de beste? Nedenfor har vi rangert de 32 beste Disney-figurene som har bidratt til at verdens lengstlevende animasjonsstudio har fått dette ryktet.
For ordens skyld utelater vi de som først ble en del av Disney-familien etter at de ble skapt. Vi nevner altså ikke figurer fra Star Wars eller Marvel (eller til og med Power Rangers, et Disney-merke en gang i tiden), med ett unntak. Vi begrenser også kriteriene til kinofilmer, så vi ber om unnskyldning til alle som hadde håpet å se Disney TV-figurer som Kim Possible og Hannah Montana få sine blomster. Til slutt er det heller ingen Pixar-figurer med, for de er alle verdige en egen liste.
Uten mer om og men, ønsk deg en stjerne at din favoritt kom med, for her er de 32 beste Disney-figurene gjennom tidene.
32. Chernabog (Fantasia)
(Bildekreditt: Disney)
I det siste segmentet av Disneys animerte musikalske antologi Fantasia fra 1940, som er komponert til Modest Mussorgskijs grusomme 1800-tallsverk «Natt på det skallede fjell», reiser demonherren Chernabog seg for å herske over sin mørke legion helt til han overvinnes av morgenlysets rensende krefter. Med sin imponerende størrelse, gargoyle-trekk og eldgamle kroppsbevegelser er Chernabog ondskapen inkarnert, og han er fortsatt et av de mest skremmende – og mest usannsynlige – vesenene som noensinne har eksistert i Disney. I 2002 dukket Chernabog opp som en boss i videospillet Kingdom Hearts, og på steder som Reddit og YouTube forteller noen spillere at det å beseire ham i kamp gjorde slutt på livslange mareritt.
31. Baymax (Big Hero 6)
(Bildekreditt: Disney)
Strengt tatt er ikke Baymax en Disney-figur. I likhet med mange av de beste Disney-filmene er den Oscar-belønte filmen Big Hero 6 fra 2014 faktisk basert på en allerede eksisterende kildetekst, i dette tilfellet en svært obskur Marvel Comics-tittel. Disney-filmen serverer likevel en radikalt ny versjon av historien, inkludert en ny Baymax. Disneys Baymax, som tidligere var en Gundam-lignende spark i rumpa, er nå en oppblåsbar helseassistent som er klar til å gi klemmer og kjærlighet på pinne til de som trenger det. (Han har også fått stemme av Scott Adsit fra 30 Rock, som på imponerende vis viser både hjerte og humor). Når Hiro Hamada mister storebroren sin, er Baymax der for å hjelpe ham med å bli den helten han er ment å være. Med Baymax er vi alle fornøyde med omsorgen vår.
30. Max Fedtmule (En Fedtmule-film)
(Bildekreditt: Disney)
Selv om Max’ opprinnelse som Fedtmules sønn går helt tilbake til 1951, tok utviklingen hans til «Max Fedtmule» et stort steg fremover i tusenårsklassikeren Fedtmulefilmen, som kom ut i 1995. I sin moderniserte form er Max en engstelig 14-åring som plages av alle tenåringsproblemer, inkludert forelskelser, mobbere og firkantede autoriteter som står i veien. At Max’ far drar ham med på en corny sommertur, ser bare ut til å forsterke alt som er galt med verden. Selv om baggy-jeansene og skateboardet hans skriker 90-tall, legemliggjør Max på imponerende vis den universelle angsten vi alle har for å ville bli voksne og nekte å bli et teit ekko av foreldrene våre.
29. Nick Wilde (Zootopia)
(Bildekreditt: Disney)
Med et selvtilfreds glis, hendene i lommene og iført en skjorte med oppkneppet krage og den avslappede stemningen til en statist i Office Space, er Nick Wilde (med Jason Batemans stemme) en høyst uvanlig Disney-medspiller. Nick er en sleip svindler med en sølvtunge, og han får et forhold til en fersk politimann som jobber med sin første store sak i den vidstrakte byen Zootopia. Selv om Nick på mange måter føles som en åndelig reinkarnasjon av Disneys sexy Robin Hood, kan du nok ikke stole på at Nick raner fra noen og gir byttet til andre enn seg selv.
28. Ursula (Den lille havfruen)
(Bildekreditt: Disney)
Disney innledet en ny æra med fornyet kreativitet og kassasuksess med Den lille havfrue fra 1989, og blant de mange fargerike figurene under havet finner vi den skurkaktige havheksen Ursula. Ursula, som har stemme av Tony Award-nominerte Pat Carroll og en visuell design inspirert av drag-artisten Divine, er en havfrue som er halvt bløtdyr og overdimensjonert dronning, og som er villig til å hjelpe hvem som helst så lenge hun vet at hun kan dra nytte av dem. Så når den vakre prinsessen Ariel kommer til henne, oppfyller Ursula hennes ønske om menneskebein, men frarøver henne stemmen, og sørger for at Ariels historie handler om farene ved å få det man ber om. Sangen hennes «Poor Unfortunate Souls» er ikke bare en karaokefavoritt, men også en forløper for så godt som alle Disney-skurkesangene gjennom hele Disney-renessansen.
27. Gaston (Skjønnheten og udyret)
(Bildekreditt: Disney)
Ikke gi ham en bok uten bilder. Gaston, den biffete jegeren som lengter etter den boklærde Belle i Skjønnheten og udyret, har på uforklarlig vis vokst til å bli en kjæledegge på internett med ekte fans på nettet. Ærlig talt er det ikke vanskelig å forstå hvorfor. Arrogansen hans i forhold til maskuliniteten er kanskje giftig, men den er også genuint morsom, på grensen til det elskverdige. («Skurke»-sangen hans er også veldig fengende, klokt innrammet med andre som synger om hvor fantastisk han er i stedet for Gaston selv). Gaston ble skapt for filmen av manusforfatteren Linda Woolverton, som i 1992 fortalte til L.A. Times at skapelsen og karakteriseringen av ham var inspirert av noen av hennes egne virkelige ekser. «Det var morsomt å skrive den karakteren», sa Woolverton, «Han måtte være troverdig, en verdig motstander, selvopptatt, men likevel sjarmerende – en du ville gått ut med en gang eller to.»
26. Mulan (Mulan)
(Bildekreditt: Disney)
Jakten på sterke, handlekraftige kvinnelige heltinner handler om mer enn bare å få et ja på spørsmålet: «Kan hun banke opp skurkene skikkelig bra?». Men Mulan, med Ming-Na Wens talestemme og den uutslettelige Lea Salongas sangstemme, er så mye mer enn bare en Disney-prinsesse som kan svinge et sverd. Mulan er basert på et kinesisk folkeeventyr og er som kjent en ung kvinne som forkler seg som mann for å verve seg til hæren. Med sin historie som utforsker identitet, familieplikter og kjønnsforventninger, gjenspeiler Mulan alle som ønsker å gjøre familien sin stolt, men som føler seg hemmet av idiotiske restriksjoner. Før Mulan var det sjelden eller aldri at Disneys prinsesser deltok i handlingen; husk at det var prins Philip som red på hesten sin i kamp mot Maleficents drage og prins Eric som kjørte båten sin inn i magen på Ursula. Men etter at Mulan krysset sverd med hunerne, fikk Disneys prinsesser endelig rom til å vokse utover å synge i høye tårn.
25. Mufasa (Løvenes konge)
(Bildekreditt: Disney)
Mufasa, med den dundrende stemmen til Darth Vader (egentlig den dekorerte skuespilleren James Earl Jones), var en respektert konge og en kjærlig far, og ofte spilte han begge rollene effektivt samtidig. Selv om han hadde en dyp varme og en bemerkelsesverdig sans for humor, var det ingenting ved hans gode sider som forrådte den iskalde grusomheten han besatt, og som han kunne tennes på tilsynelatende på forespørsel. (Når Zazu bare sier «lykke til» til Simba etter at han ikke adlød ham ved å dra til elefantkirkegården, følte vi det virkelig). Løvenes konge er en bragd som oppvekstfilm, med Mufasa som en effektiv surrogatfarsfigur for oss alle.
24. Jack Skellington (The Nightmare Before Christmas)
(Bildekreditt: Disney)
Hva er dette for noe? Hva er dette for noe? Jo, det er en visuelt makaber figur som har en bedårende og gledelig opplevelse! Hovedrolleinnehaveren i den upåklagelig animerte The Nightmare Before Christmas, Jack Skellington, er et skarpt kledd, uhyggelig slankt skjelett fra Halloween Town som snubler inn i nabobyen Christmas Town og prøver å dele magien i oppdagelsen sin, noe som ender katastrofalt. Jack Skeleton, som har stemme av både Chris Sarandon og Danny Elfman, beveger seg som en edderkopp, men smiler som en alv ved synet av snø, og skiller mellom uhyggelig og fantastisk. En som Jack Skellington burde skremme deg. Men hvis alt han ønsker er å spre litt juleglede, kan du da virkelig være redd?
23. Ariel (Den lille havfruen)
(Bildekreditt: Disney)
Den lille havfrue ga Disney nytt liv på nesten alle fronter, både kreativt og økonomisk. Suksessfilmen er full av minneverdige figurer, men alle kretser rundt Ariel, den rødhårede skjønnheten som bare drømmer om å være en del av en annen verden. Ariel, som fikk stemme av skuespillerinnen og sangeren Jodi Benson, ble visuelt modellert etter Christie Brinkley og Alyssa Milano, og Sherri Stoner ga animatørene fysiske referanser (inkludert Stoners egen vane med å bite seg i underleppen). Som figur representerer Ariel alle som rammes av FOMO; hun er havfrue, men det eneste hun lengter etter å gjøre, er å gå rundt på overflaten. Hun er beviset på at man kan ha alt, men likevel ønske seg mer.
22. Bambi (Bambi)
(Bildekreditt: Disney)
Folk spøker ofte om det traumet de fikk da de så Bambis mor dø. Men sannheten er at Bambi (filmen) var, og fortsatt er, en av de første filmene som lærer barn det grusomme og ukjente ved døden i utvetydige ordelag. Bambi selv er en bemerkelsesverdig karakter til å fortelle en slik historie; Bambi er myk i hjertet, men sterk i ånden, og hans bemerkelsesverdige vekst til voksenlivet etter meningsløs urettferdighet kan opplyse alle, både barn og voksne, om hvordan man kan fortsette å leve selv når alt virker over. Bambi vil kanskje alltid være en mammagutt, men hans motstandsdyktighet til å bygge fellesskap og til og med finne kjærligheten betyr at han er like definert av det han vinner som det han mister.
21. Maleficent (Tornerose)
(Bildekreditt: Disney)
Selv om hennes status som Disneys definitive heksedronning bestrides av dronningen (fra Disneys store suksess Snøhvit og de syv dvergene), vinner Maleficent med knapp margin over Snøhvits onde stemor gjennom en kombinasjon av stil, historie og en mer omfattende forståelse av de mystiske kunstene. Mens dronningen rett og slett er sjalu på at Snøhvits skjønnhet kan overskygge hennes egen – og dermed forteller en historie om alder og forfengelighet – er Maleficent bare nydelig smålig. Maleficent innleder Tornerose med å kaste en forbannelse over den nyfødte Aurora, bare fordi foreldrene hennes ikke inviterte henne til festen. Hvem av oss har vel ikke hatt lyst til å forbanne noen «venner» etter å ha funnet ut at de henger sammen uten deg? La oss derfor anerkjenne Maleficent som den mest ekte.
20. Mary Poppins (Mary Poppins)
(Bildekreditt: Disney)
Da Mary Poppins kom ut i 1964, falt Julie Andrews ned fra himmelen og inn i hjertene våre som barnevakten – unnskyld, barnepiken – som vi alle skulle ønske vi hadde. Men poenget med rollefiguren hennes er ikke magien, som hun er ganske nonchalant med, men hvordan litt struktur, en positiv stemning og en skje sukker kan inspirere alle til å bli sitt beste jeg. Likevel må vi spørre: Hvor kommer hun fra? Hva er kilden til kreftene hennes? Finnes det flere av henne? Og hvor flyr hun hen? Selv en oppfølger fra 2018, med Emily Blunt i rollen, nekter å avsløre mer av hennes historie. Men hvem trenger historie når det finnes drager å fly?
19. Jesper Fårekylling (Pinocchio)
(Bildekreditt: Disney)
Han er så ikonisk at musikken hans er den offisielle fanfaren for hele Disney. Jiminy Cricket er en fremtredende figur i klassikeren Pinocchio fra 1940, og er ikke bare en elegant gentleman, men også den unge Pinocchios samvittighet når han vokser opp til å bli en ekte gutt. Selv om Jiminy var en navnløs bifigur i den italienske originalromanen, ble han utdypet av filmskaperne av Pinnochio. Han ble animert av Ward Kimball, som faktisk var på nippet til å slutte hos Disney etter at arbeidet hans med Snøhvit ble utelatt fra den endelige versjonen. Walt Disney selv overtalte Kimball til å bli og overvåke skapelsen av Jiminy. Med sine karakteristiske sanger som «When You Wish Upon a Star» og «Give a Little Whistle» (fremført av hans opprinnelige stemmeskuespiller, Cliff Edwards) er det vanskelig å forestille seg en virkelighet der Jiminy ikke var der for å lære oss alle å drømme stort.
18. Bruno (Encanto)
(Bildekreditt: Disney)
Vi må snakke om Bruno. I løpet av den første timen av Encanto, Disneys fargerike, animerte musikalsuksess fra 2021, forbys Mirabel Madrigal å vite mer om sin utstøtte onkel Bruno (John Leguizamo). I den virale hitlåten «We Don’t Talk About Bruno» får Mirabel vite at Brunos uhyggelige evne til å forutse, som ofte resulterte i uheldige utfall, gjorde ham til en forbannelse for byens innbyggere. Som en metafor for psykisk sykdom og den undertrykte skammen familier føler når en av deres egne ikke lever opp til samfunnets standarder, er Bruno uten tvil en av de mest tematisk fengslende Disney-figurene på mange år. Hans skremmende bilder og hjerteskjærende virkelighet gjør at han skiller seg ut som en «skurk» som egentlig er alt annet enn det.
17. Flynn Rider (Flokete)
(Bildekreditt: Disney)
I 2010-suksessen Tangled ble Flynn Rider skapt av manusforfatter Dan Fogelman og regissørene Nathan Greno og Byron Howard for å få Rapunzel ut av det høye tårnet. I stedet for en rudimentær prins til å redde henne, fant de på en tyv og en skurk i samme ånd som Errol Flynns Robin Hood og Harrison Fords Han Solo. (Fun fact: Filmskaperne holdt en rekke «Hot Man Meetings», der kvinnelige ansatte ble invitert til å fortelle om sine forelskelser i mannlige kjendiser som research for å skape Flynn). Flynn, som spilles av Zachary Levi, har blitt en varig fanfavoritt og et godt eksempel på «himbo»-arketypen som befolker Disneys kanon. Med sin intelligente sans for humor og selvtillit var Flynn en vellykket forløper for den antiheroiske tonen til mange mannlige karakterer i det kommende tiåret.
16. Askepott (Askepott)
(Bildekreditt: Disney)
Det er en misforståelse at Askepott ønsket å se vakker ut og ha på seg en elegant kjole for å blende prins Philip. Ja, det var jo hele greia med det arrangerte ekteskapet deres fra starten. Men da den gode feen innvilget hennes ønske om å delta på ballet, visste hun faktisk ikke hvem han var; hun ville bare feste! Det er blant annet derfor Askepott står høyt i kurs i Disney-imperiet. Askepott, som har en minneverdig stemme av Ilene Woods, kan kanskje føles som vanlig vanilje med tanke på hennes prototypiske status som en av de første store Disney-prinsessene. (Snøhvit var kanskje først, men Askepott red inn på det sykeste gresskaret magien kan trylle frem). Men det er nettopp hennes tidløshet og universelt inspirerende historie som gjør Askepott til en klassiker. Det er en grunn til at selv de mest hardtslående underdog-idrettsutøverne nyter godt av det som kalles en «Askepott-historie» i sin vei til stjernestatus.
15. Aladdin (Aladdin)
(Bildekreditt: Disney)
Når du er med i en film med en utspekulert skurk og en metafysisk ånd med stemme av Robin Williams – improvisasjonskomediens skytshelgen – er det vanskelig å skille seg ut som hovedperson. Derfor fortjener Aladdin, med Scott Weingers stemme, faktisk mer anerkjennelse. Aladdin, som er en gatesmart gategutt som utgir seg for å være prins for å blende prinsesse Sjasmin, er en forkjemper for lærdommen om at alt du trenger å være, er deg selv. Det er selvsagt lettere sagt enn gjort, og derfor hjelper det at han har Ånden i ryggen. Men selv uten Ånden har Aladdin allerede vist at han er oppfinnsom, karismatisk og har et sterkt overlevelsesinstinkt. Riktignok blir han lurt til å gå inn i en hule med minefeller av Jafar (forkledd som en merkelig gammel mann), men det gikk i det minste bra til slutt.
14. Elsa (Frost)
(Bildekreditt: Disney)
Kulden plaget henne uansett aldri. I sentrum av Disneys seismiske suksessfilm Frozen fra 2013 står prinsesse Elsa, den kule skandinaviske kongelige som ved et uhell styrte kongeriket Arendelle inn i en dyp vinter på grunn av sin beherskelse av is og snø. Elsa er en flerdimensjonal avatar for selvaksept, outsidere som ikke klarer å tilpasse seg samfunnets normer, og en undergraving av den slitne «ekte kjærlighet»-tropen som Disney selv i stor grad er ansvarlig for å ha etablert. Elsa er en så stor rollefigur at noen videospillere vil beskrive det som «OP» at Broadway-aktuelle Idina Menzel har lagt stemme til henne. Selv om foreldre kanskje fortsatt har litt PTSD etter endeløse repetisjoner av «Let It Go», kan ingen nekte for at Elsa har en skremmende tiltrekningskraft.
13. Hades (Herkules)
(Bildekreditt: Disney)
Når du tenker på den greske guden fra underverdenen, er James Woods’ Hades fra 90-tallsklassikeren Hercules både den første og den siste du tenker på. Selv om det ildblå håret hans, den uhyggelig bleke huden og bjørnefelletennene er passende uhyggelige, gjør den sardoniske humoren hans og motviljen mot posisjonen hans ham til en av de mest autentisk gjenkjennelige karakterene. Skuespilleren Jack Nicholson ble først spurt om å spille Hades, men takket nei da lønnsforhandlingene brøt sammen. Etter å ha avholdt audition med James Coburn, Kevin Spacey og Martin Landau, inviterte filmskaperne James Woods til å prøvespille knappe 20 måneder før lanseringsdatoen. Disney-journalisten Jim Hill forteller i et blogginnlegg publisert i april 2000 at Woods ba filmskaperne om veiledning da han ble fortalt at Hades var «sjarmerende, men hensynsløs» og «i stand til å gjøre hva som helst» for å komme seg videre. Woods spøkte: «Det høres ut som noen studioledere jeg kjenner.»
12. Timon og Pumba (Løvenes konge)
(Bildekreditt: Disney)
Har du vondt? Jepp, jepp! Lyst på bacon? Jepp, jepp! Løvenes konge er en gjenfortelling av Shakespeares Hamlet på en afrikansk savanne, med den hurtigsnakkende surikaten Timon og det oppblåste krigervortesvinet Pumba (med stemmer av henholdsvis Nathan Lane og Ernie Sabella i klassikeren fra 1994) som Rosenkrantz og Gyldenstern. Som outsidere og bestevenner redder Timon og Pumba Simba fra gribbene og lærer ham å slappe av og ikke bekymre seg. («Hakuna Matata, for et herlig uttrykk!»). Selv om den avslappede stemningen deres truer med å hindre Simba i å gjøre krav på Stolthetsklippen, forblir de lojale mot Simba når den vordende kongen gjør sin episke tilbakekomst. Deres lynraske humor og smittende sjarm gjør det lett å forstå hvorfor de har medvirket i utallige spin-offs av originalen, inkludert en egen TV-serie på 85 episoder.
11. Frollo (Ringeren i Notre Dame)
(Bildekreditt: Disney)
Frollo, fra Ringeren i Notre Dame og med stemme av avdøde Tony Jay, er en av de mest skremmende Disney-skurkene gjennom tidene. Men det er ikke på grunn av at han behersker magi eller er en tyrannisk konge. Det er fordi Frollo er ekte. Frollo er en from mann i maktposisjon, og han står for alle hyklerske teokratiske skikkelser som mener at deres egne synder faktisk er Guds vilje. Det inkluderer hans hat mot romfolket, hans ønske om å fordrive dem fra Paris og hans begjær etter en av deres egne, Esmeralda. Hans uforglemmelige sang «Hellfire» inneholder noen av de mest iskalde replikkene som noensinne er sunget i Disney. («Det er ikke min feil, hvis Gud i sin plan gjorde djevelen så mye sterkere enn en mann» og «Ødelegg Esmeralda, og la henne smake helvetets første, eller la henne bli min og bare min»). Skurker som Frollo finnes virkelig i den virkelige verden, og barn som ser Ringeren i Notre Dame kan kanskje lære seg å gjenkjenne dem.
10. Baloo (Jungelboken)
(Bildekreditt: Disney)
Før en surikat og et vortesvin lærte Simba å slappe av, var det den store dovendyrbjørnen Baloo, med stemme av Phil Harris, som viste Mowgli hvordan man lever uten å ønske seg mer enn det naturen kan gi. Med smidige dansetrinn og en smittende stemning som gir deg lyst til å slappe av, er Baloo en sann muse for alle som vil ha det gøy. Låten hans «Bare Necessities» er på samme måte et jazza, nedstrippet alternativ til den bombastiske «Hakuna Matata». I en making-of-dokumentar fra 2007, som ble utgitt sammen med filmens 40-årsjubileums-DVD, sies det at Phil Harris improviserte nesten alle replikkene sine, noe som bare er passende for en karakter som tar ting som de kommer.
9. Tigergutt (Ole Brumm)
(Bildekreditt: Disney)
Alle kan finne en del av seg selv i Hundremeterskogen. Nervøse nevrotikere kan relatere seg til Nasse Nøff, kynikere finner seg selv i Tussi, og stressede A-typer kan finne seg til rette i Kanin. Men så har vi Tigergutt, en altfor selvsikker tigerkosedyr som spretter rundt som om han nettopp har drukket en cappuccino. Den levende oransje pelsen hans og det evige smilet gjør ham til en ekte fanfavoritt, ikke bare i Ole Brumm-hjørnet, men i hele Disney-multiverset. Selv når de gode intensjonene hans ikke viser seg å være produktiv hjelp, kan man ikke annet enn å elske ham. Opprinnelig var det Paul Winchell som lagde stemmen, men i 1989 overtok stemmelegenden Jim Cummings rollen, og han gjorde dobbeltarbeid som både Tigergutt, Ole Brumm og hundre andre figurer du kjenner.
8. Peter Pan og Tingeling (Peter Pan)
(Bildekreditt: Disney)
Selv om de utmerket godt kan stå alene som ikoniske figurer, er Peter Pan og Tingeling ustoppelige som et matchende par. Mens Peter Pan representerer den evige ungdommens opp- og nedturer, og på minneverdig vis kolliderer med den fryktinngytende Kaptein Krok, har den medfølgende feen Tingeling vokst til å bli selskapets maskot. Det er en feilaktig legende at den siste av duoen er basert på filmikonet Marilyn Monroe; hun er faktisk basert på en blanding av danseren Margaret Kerry og den Disney-ansatte Ginni Mack, der Kerry har gitt en kroppsreferanse og Mack har gitt uttrykk til Tingelingens ansikt. Hver for seg kan Peter Pan og Tingeling føre an på egen hånd. Men sammen representerer de den kombinerte magien som ligger i hele Disney.
7. Donald Duck
(Bildekreditt: Disney)
Hvis Daffy Duck representerer frustrasjon og ubelønnet innsats hos konkurrenten Warner Bros. er hans like uten tvil Donald Duck. Donald er en antropomorf hvit and som ofte følger med Mikke, Minni og resten av gjengen, og skiller seg ut med sitt dårlige humør, sin pompøse personlighet og sin uforståelige stemme, som kan brukes med stor komisk effekt. Opprinnelig var det Clarence Nash som lagde stemme til Donald, men han ble etterfulgt av Tony Anselmo (mens Daniel Ross steppet inn for en enkelt TV-serie i 2017). Ingen ringere enn Don Cheadle lånte også ut stemmen sin som Donald da Donald inntok en stemmemodulator for å gi ham en mer «normal» talestemme i noen få episoder i rebooten av DuckTales-serien. Han er kledd som en sjømann, men det er en grunn til at Donald har en fast plass ved Mikkeys bord.
6. Scar (Løvenes konge)
(Bildekreditt: Disney)
Var du forberedt på denne? Løvenes konge er en gigant av en film, og mye av det skyldes den uhyggelige, feminine løven Scar, som er sjalu på at hans krav på tronen blir ødelagt av nevøens fødsel. Castingen av Jeremy Irons var revolusjonerende for sin tid, en prisbelønt skuespiller i en barnefilm, noe som var uvanlig rundt 1994. (Jøss som tidene har forandret seg.) Ikke bare det, men Irons mistet faktisk stemmen under innspillingen av sangen «Be Prepared» (og spesielt på linjen «You won’t get a sniff without me»), noe som gjorde det nødvendig å rekruttere Ole Brumm-skuespilleren Jim Cummings til å hjelpe til. Scar, som minner om Irons’ andre roller, som Claus von Bulow i filmen Reversal of Fortune fra 1990, er like symbolsk for Irons’ enorme kunstnerskap som for Disneys felles innsats for å skape en skurk som er listig nok til å utfordre sin mektige bror Mufasa. Ingen var i sannhet forberedt på Scar.
5. Genie (Aladdin)
(Bildekreditt: Disney)
I teorien burde ikke animasjon og Robin Williams passe sammen. Animasjon er i utgangspunktet et medium der hver eneste bevegelse på skjermen er bevisst, og det må også dialogen være. Men Robin Williams er en bombe av improvisasjon, og hans evne til å finne på nye gags i et tempo som kan fremkalle nakkesleng av latterkramper. Derfor var det imponerende og ganske nyskapende at filmskaperne av Aladdin ga Williams minimalt med regi og frie tøyler til å improvisere, slik at de kunne sette sammen alle de beste delene. Innimellom den travle innspillingsplanen for filmene Krok og Leker er Williams’ prestasjon gjennom tidene ikke bare gullstandarden, men toppen av hva animasjon og ekte, menneskelig kunstnerskap kan oppnå. Selv om kontraktstvister om markedsføringen av Aladdin førte til at Williams og Disney i en periode var på kant med hverandre, er Williams’ innspilling som Genie, inkludert ubrukte outtakes, rett og slett en del av filmhistorien.
4. Jack Sparrow (Pirates of the Caribbean: Black Pearls forbannelse)
(Bildekreditt: Disney)
Han er kanskje den verste piraten du noensinne har hørt om, men du har hørt om ham. Jack Sparrow, som ble skapt av manusforfatterne Ted Elliot og Terry Rossio, men som skuespilleren Johnny Depp har gitt innhold til, representerer den råere siden av Disneys varemerke. Han har vært et fast innslag i Pirates of the Caribbean-serien – som i seg selv er en usannsynlig suksess, basert på en gammel forlystelse i Disney-parkene – men Depps første opptreden i storfilmen Curse of the Black Pearl fra 2003 er overdimensjonert, en karakter som kommer til filmen med så mange lag og strukturer at du umiddelbart føler at du kjenner ham godt. Selv om Depps tilnærming til å spille Jack som en beruset rockestjerne kanskje føltes utslitt i den fjerde eller femte filmen, er hans tre første filmopptredener evigvarende.
3. Langbein
(Bildekreditt: Disney)
På overflaten er Fedtmule en figur som man bare kan holde ut. Hans ranglete, gummiaktige gange, generelle klossethet og tullete slagord burde gjøre ham utålelig. Og erfarne Kingdom Hearts-spillere vil fortelle deg hvor ubrukelige både han og Donald er som NPC-er. Men av alle Mikkeys venner har Fedtmule dimensjoner som få andre i Disney noensinne er forunt. Selv om han er en slapstick-figur i de fleste Disney-medier, antyder tilfeller som en obskur kortfilm fra 1950 om raseri i trafikken eller filmen A Goofy Movie fra 1995 – der Max uttrykker direkte forlegenhet over at han er sønnen hans – at det finnes dype jordsmonn under Goofys bekymringsløse ytre. Noen ganger er den ytre gleden hans ikke misforstått naivitet, men en fasade for å skjule en underliggende smerte. Langbein har kanskje en tendens til å si de minst hjelpsomme tingene, men man kan ikke si at han aldri har vært rik på dybde. Vent, var dette for dypt? Gawrsh!
2. Stitch (Lilo & Stitch)
(Bildekreditt: Disney)
Innerst inne føler vi oss alle som outsidere. Ønsket om å passe inn og følelsen av å være utenfor er et tema som går igjen i mange historier, også utenfor Disney, men spillefilmen Lilo & Stitch fra 2002 forsto denne frustrasjonen og utforsket den på en elegant og veltalende måte. (Det ble også lekt med i filmens utrolig smarte TV-markedsføring, der Stitch krasjer inn i tidligere Disney-suksesser som Aladdin, Løvenes konge og Skjønnheten og udyret). Stitch ble skapt som eksperimentet «626» av en utenomjordisk vitenskapsmann, og flukten fører ham til Hawaii, der han blir adoptert som «hund» av den ensomme Lilo. I løpet av en vakker reise lærer disse to mistilpassede outsiderne å ta en bølge av gangen, og hva det vil si å være en del av en familie. Familie betyr at ingen blir etterlatt, og Stitch er så mye mer en del av Disneys ohana enn det ville utseendet hans antyder.
1. Mikke og Minni Mus
(Bildekreditt: Disney)
Det er ikke til å stikke under en stol at Mikke og Minni Mus er de beste Disney-figurene noensinne. Med bare tre sirkler (pluss kanskje en sløyfe) kan du fremkalle silhuettene deres, noe som sier noe om deres faste plass i både populærkulturen og i vår egen bevissthet. Mikke er de facto hovedpersonen for hele Disney og erstattet faktisk en eksisterende figur, Oswald the Lucky Rabbit (som kom tilbake og søkte hevn for Mikkes suksess i en videospillserie). Samtidig er Minnie en formidabel kvinnelig motpart, som debuterte sammen med Mikke i den grunnleggende kortfilmen Steamboat Willie. Sammen representerer Mikke og Mimmi den lekenheten og lunefullheten som driver alle tidligere og nåværende Disney-prosjekter. De har vært alt mulig, fra båtkapteiner til trollmenn og nattklubbeiere. Men de trenger bare å være seg selv. Det er ekte magi.