Etter at det nye årtusenets deliriousness hadde lagt seg, gikk publikum inn i 2000-tallet utfordret av, vel, alt. Det skjedde så mye at det er lett å glemme enkelte filmer. Men hvilke er egentlig de største undervurderte og mest glemte filmene fra 2000-tallet?
Da Y2K-hysteriet hadde lagt seg, ble 2000-tallet preget av en rekke eksistensielle utfordringer som hjemsøkte kinopublikummet. Med alt fra terrorisme og konkurser til den raske fremveksten av internett og sosiale medier ble Hollywoodsuksesser større og større, mens uavhengige filmer trakk publikum til seg med mindre, mer intime historier. Det nevnte internett spilte også en stor rolle i å forandre filmen for alltid; Netflix-strømming startet i 2007 og satte i gang en ufattelig endring i filmkunsten og filmbransjen som få kunne ha forutsett.
Med så mye som skjedde på 2000-tallet, er det altfor lett å glemme enkelte filmer, selv om du har sett dem før. Her er de 32 beste filmene fra 2000-tallet som du (sannsynligvis) har glemt alt om.
32. The Midnight Meat Train (2008)
(Bildekreditt: Lionsgate)
Før Bradley Cooper ble fast inventar på Oscar-utdelingen, ledet han den lite sette skrekkfilmen The Midnight Meat Train fra den japanske regissøren Ryuhei Kitamura. Basert på en novelle av Clive Barker spiller Cooper en fotograf som utvikler en besettelse for en seriemorder (spilt av Vinnie Jones) som jakter på ofre i T-banen. The Midnight Meat Train ble sluppet i en tid da Saw-lignende «torturporno»-filmer var på moten, og fikk ikke mye oppmerksomhet, selv om den fortsatt er en favoritt i skyggen av Coopers superstjernestatus. Filmens virkelige kraft ligger i dens primære budskap, i hvordan det som skremmer oss, også er det som fascinerer oss og trekker oss nærmere.
31. jenta ved siden av (2004)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
The Girl Next Door er en heftig romantisk komedie som ikke ligner noen annen, med Emilie Hirsch i hovedrollen som en ambisiøs high school-elev som får vite at naboen, en vakker og livlig ung kvinne (spilt av Elisha Cuthbert), er voksenfilmstjerne. Filmen er morsom og overraskende hjertevarm, men dens merkelige premiss begeistret ikke samtidens kritikere, som ga filmen middelmådige anmeldelser. Siden lanseringen har The Girl Next Door imidlertid utviklet en heftig kulttilhengerskare av fans som ser noe søtt under den lettkledde overflaten. Det hjelper at filmen også har Timothy Olyphant og Paul Dano i hovedrollene, som bare har blitt mer berømte med tiden.
30. Kill Zone (2005)
(Bildekreditt: ABBA Movies Co. Ltd.)
Donnie Yens superstjernestatus via Ip Man-serien har med tilbakevirkende kraft brakt oppmerksomhet til hans tidligere arbeider, særlig actionfilmene hans fra 2000-tallet. Over dem alle rager SPL: Sha Po Lang (utgitt i USA under den mer prangende tittelen Kill Zone), et stjernespekket oppgjør regissert av Wilson Yip. Yen spiller en Hongkong-politimann som blir overført til et politidistrikt som er i ferd med å pågripe en stor triadeboss. Kill Zone, som også har Sammo Hung, Simon Yam og Wu Jing i rollene, er et stjernespekket gangsterepos med blendende koreografi som balanserer mellom hensynsløs realisme og overdrevet kaos. Selv om Kill Zone ble en hit i Asia, har den ennå ikke fått særlig oppmerksomhet i resten av verden.
29. The Savages (2007)
(Bildekreditt: Fox Searchlight Pictures)
I denne herlige, svarte komedien fra Tamara Jenkins spiller Philip Seymour Hoffman og Laura Linney hovedrollene som kranglete søsken som ikke har hatt noen far i oppveksten og derfor ikke har lært hvordan de skal være en familie. Men når deres fraværende far (Philip Bosco) begynner å vise tegn på demens, lærer søsknene endelig å elske hverandre før det er for sent. Til tross for det harde og tunge premisset unnlater The Savages aldri å inspirere til latter. Hvorfor skulle den ikke det? La oss innse det, det er få ting på jorden som er så morsomt som familie. Til tross for et par Oscar-nominasjoner har The Savages i stor grad blitt oversett.
28. Beerfest (2006)
(Bildekreditt: Warner Bros. Pictures)
2000-tallet var en gullalder for R-klassifiserte komedier, og en av den tidens dynastier var komikergruppen Broken Lizard. Selv om komedien Super Troopers fra 2002 kan siteres i det uendelige, fortjener sportssatiren Beerfest fra 2006 like mye, om ikke mer, kjærlighet. Beerfest utspiller seg i en undergrunnsverden av konkurrerende øldrikking, og følger en gruppe rotete amerikanere som trener i et år for å spille mot et tysk elitelag som har besudlet familiens ære. Beerfest er uten tvil Broken Lizards tetteste og kanskje råeste film, og kan skilte med en parade av usannsynlige birolleinnehavere og cameoer – blant dem Cloris Leachman, Donald Sutherland, Will Forte og Willie Nelson – som løfter en latterlig dum film til en stor fest. Bånnskiven opp.
27. Skatteplaneten (2002)
(Bildekreditt: Disney)
Etter Disneys renessanse kan det berømte studioet noen ganger virke uovervinnelig. Men ikke alt de har laget, har vært en suksess. I 2002 lanserte studioet Treasure Planet, et sci-fi-eventyr og en unik hybrid av 2D- og 3D-animasjon. Selv om filmen ikke var den første som omskapte Robert Louis Stevensons roman Treasure Island fra 1883 med science fiction-elementer – det var heller ikke første gang Disney brukte kildematerialet – var filmen likevel ment å lansere en ny, unik Disney-franchise i stil med de andre animerte megasuksessene. Selv om filmen ble en fiasko på kino, har den med tiden vunnet publikum med sin spektakulære fantasi og tidløse følelse av eventyr.
26. Solskinn (2007)
(Bildekreditt: Fox Searchlight Pictures)
Sunshine er en film som vrimler av store talenter, men som likevel stort sett har blitt en glemt størrelse i folks bevissthet. Sunshine, som kom ut i 2007 og er regissert av Danny Boyle, er en apokalyptisk sci-fi-thriller fra år 2057 der en gruppe astronauter reiser for å gjenopplive solsystemets døende sol. I hovedrollen ser vi Oppneheimers Cillian Murphy, Chris Evans, Rose Byrne, Michelle Yeoh, Cliff Curtis, Hiroyuki Sanada, Benedict Wong og Mark Strong. Boyle hadde til hensikt å skape en internasjonal rollebesetning, og han lot til og med skuespillerne bo sammen og lære seg sine karakterers unike yrker for å fordype seg. Selv om Sunshine var en katastrofe på kino, tiltrekker filmen seg stadig oppmerksomhet fra folk som er overrasket over det presserende premisset og den latterlige samlingen av kjente talenter.
25. Blekkspruten og hvalen (2005)
(Bildekreditt: Samuel Goldwyn Films)
The Squid and the Whale er sterkt inspirert av forfatter og regissør Noah Baumbachs egen oppvekst i forbindelse med foreldrenes skilsmisse, og Jeff Daniels og Laura Linney spiller de kranglete foreldrene til Walt Berkman (Jesse Eisenberg) i 1980-tallets Brooklyn. The Squid and the Whale er filmet i Super 16 i stedet for den mer trendy digitalvideoen – et varemerke for indiefilmer gjennom hele 1980-tallet – og ser og føles bemerkelsesverdig nok ut som en film som karakterene selv ville ha sett på kino for å redde sine forfallende forhold. Selv om mange av de involverte i The Squid and the Whale, inkludert Baumbach, har oppnådd ytterligere kritikerros og Hollywood-suksess, føles The Squid and the Whale undervurdert til tross for sine verdifulle kvaliteter.
24. Harold & Kumar drar til White Castle (2004)
(Bildekreditt: New Line Cinema)
Det er lett å avfeie Harold & Kumar Go to White Castle som nok en dum R-klassifisert komedie med grovt støtende humor. For det er den. Men den var også stille og rolig revolusjonerende i 2004: Hovedrolleinnehaverne var ikke enda et par høyrøstede, motbydelige hvite menn, men høyrøstede, motbydelige asiatiske menn. John Cho og Kal Penn spiller bestevennene og romkameratene John Cho og Kal Penn, som får lyst på hurtigmat. Selv om filmen ikke engang prøver å spille viktig – det er bokstavelig talt en scene der Harold og Kumar rir på en gepard – har den sin del av uventet skarphet i hvordan den utforsker den gryende millenniumsangsten og de tyngende forventningene til innvandrerforeldre. Selv om sjokkhumoren ikke har latt den eldes med æren i behold, kan Harold & Kumar Go to White Castle fortsatt treffe blink.
23. One Hour Photo (2002)
(Bildekreditt: Fox Searchlight Pictures)
Mark Romaneks One Hour Photo er en ubehagelig mørk thriller der Robin Williams spiller mot sin type som den plagede antagonisten, og er en tettpakket thriller som fortsatt holder mål etter så mange år. Den forteller historien om Sy Parrish, en ensom fototekniker som nærer en hemmelig besettelse for en familie hvis bilder han har fremkalt i årevis. One Hour Photo ble en suksess, og kritikerne fremhevet Williams’ fengslende prestasjon. Men når det gjelder helheten i Williams’ filmarv, er det ikke den filmen noen husker på stående fot. Etter Robin Williams’ død i 2014 var det de hjertevarmende komediene hans som fikk mest oppmerksomhet – ikke den der han spiller den sinnsforvirrede forfølgeren av en uskyldig familie. Men tiden har vært veldig snill med One Hour Photo, ettersom sosiale medier har gjort oss alle litt besatt av andres liv på måter som vi bør innrømme er usunne.
22. Det er komplisert (2009)
(Bildekreditt: Universal Pictures)
Romantiske komedier blomstret på 2000-tallet, og det skyldes i stor grad filmskaperen Nancy Meyers. I 2009 trosset Meyers’ opprørende romantiske komedie It’s Complicated muntert sjangerkonvensjonene med en dampende historie om voksne mennesker i femtiårene. Meryl Streep spiller hovedrollen som Jane, som gjenopptar en hemmelig affære med eksmannen (Alec Baldwin) samtidig som hun forelsker seg i en arkitekt (spilt av Steve Martin). It’s Complicated ble en kommersiell hit og fikk flere bemerkelsesverdige Golden Globe-nominasjoner, men forsvant etter hvert ut av vår kulturelle bevissthet i takt med at romantiske komedier sakte forsvant fra kinoene. Etter all denne tiden er It’s Complicated alt annet enn vanskelig å forstå, og er en koselig og kaotisk godbit av en film med uanstendig gode og energiske skuespillerprestasjoner.
21. Mannen som ikke var der (2001)
(Bildekreditt: Focus Features)
Det er vanskelig å si med hånden på hjertet at en film av Coen-brødrene er «glemt». Men når forfatterskapet deres omfatter filmer som Fargo, The Big Lebowski, No Country for Old Men og Inside Llewyn Davis, er det kanskje noen filmer som blir glemt. The Man Who Wasn’t There fra 2001 er en flott thriller som hyller 1940-tallets svart-hvite film noir. Billy Bob Thorton spiller hovedrollen som en frisør i California som forsøker å utpresse sin kones elsker – som også er sjefen hans – for å få tak i investeringspenger. Kritikerne hyllet filmen, men den fikk ikke oppmerksomhet fra et publikum som var opptatt av de to andre store suksessene i 2001: Harry Potter og de vises stein og Ringenes herre: Ringenes brorskap. Begge hadde premiere med en måneds mellomrom og overskygget The Man Who Wasn’t There i november 2001.
20. 25. time (2002)
(Bildekreditt: Buena Vista Distribution Pictures)
I kjølvannet av 11. september 2001 tok New Yorks egen Spike Lee på seg å skildre en hel bys eksistensielle krise med 25th Hour. 25th Hour er basert på en roman av David Benioff (ja, den samme David Benioff som var med på å lage Game of Thrones for HBO), og Edward Norton spiller Edward Norton som en mann som streifer rundt i New York City, sitt hjem, i de siste 24 timene i frihet før han skal sone i fengsel. Selv om Benioffs bok ble skrevet og utgitt før 11. september 2001, inkorporerte Spike Lee angrepene i filmen sin som en del av sin utspørring av byen og den bredere ideen om å stå ved et ordspråklig veiskille. I likhet med Roberto Rossellinis Open City, som skildrer Roma etter nazistenes okkupasjon, dokumenterer Spike Lees 25th Hour en by som fortsatt er på bedringens vei. Vi skal være glade for at han gjorde det.
19. 12 runder (2009)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
Før John Cenas skuespillerkarriere virkelig skjøt fart, ble hans status som superstjerne i proffwrestling utnyttet til å spille i noen mellomstore actionfilmer finansiert av WWEs eget filmselskap, WWE Studios. Mens hans første film, The Marine, er et rent forfengelighetsprosjekt for å kickstarte kjendisprofilen hans, er hans andre film, 12 Rounds, langt mer engasjerende. Under ledelse av actionforfatteren Renny Harlin spiller Cena en FBI-agent som blir tvunget til å spille et farlig spill av en karismatisk våpenhandler, spilt av Aidan Gillen fra Game of Thrones. Selv om filmen på overflaten er en imitasjon av Die Hard with a Vengeance, viser John Cena at han er en lovende skuespiller og stjerne også utenfor ringen. Du får ikke John Cena i Blockers og Peacemaker uten å se ham sette tennene i 12 Rounds.
18. Saved! (2004)
(Bildekreditt: MGM)
En rå tenåringskomedie møter religiøs satire i Brian Dannellys vanvittig morsomme Saved!. Jena Malone spiller hovedrollen som den kristne tenåringen Mary Cummings, som forsøker å «kurere» sin homofile kjæreste ved å ha sex før ekteskapet, men ender opp med å bli gravid. Saved, som også har Mandy Moore, Macaulay Culkin og Mary-Louise Parker i hovedrollene, er et hellig opprør som tar et oppgjør med den organiserte religionens hykleri i en tenåringsfilm à la John Hughes og American Pie. Den beste delen av filmen er uten tvil Mandy Moore; først og fremst kjent som popstjerne da filmen kom ut, er Moores brennende prestasjon som en selvgod og overbærende bølle noe av en åpenbaring.
17. Dr. Horrible’s Sing-Along Blog (2008)
(Bildekreditt: Mutant Enemy Productions)
Under Writers Guild of America-streiken i 2007-2008 var Buffy the Vampire Slayer-skaperen Joss Whedon med på å lage en mikrobudsjettmusikal som ikke bare fant en måte å tjene penger på i en vanskelig tid i Hollywood, men som også skapte noe som føltes nyskapende og relevant for bloggosfæren. Sammen med Zack Whedon, Maurissa Tancharoen og Jed Whedon skapte de Dr. Horrible’s Sing-Along Blog, en profesjonelt laget uavhengig filmmusikal som ble lagt ut på nettet for gratis strømming. Det var en ufattelig stor greie i 2008. At Dr. Horrible’s Sing-Along Blog også var hysterisk morsom og ødeleggende på alle de riktige måtene, er prikken over i-en. Neil Patrick Harris, som var på høyden av sin berømmelse i How I Met Your Mother, spiller hovedrollen som en aspirerende superskurk som blir tatt opp i Evil League of Evil og må begå en avskyelig forbrytelse. Dr. Horrible’s Sing-Along Blog, som også har Felicia Day og Nathan Fillion i hovedrollene, er en morsom og smertelig vakker advarsel om at det du ønsker deg mest, kan koste deg det du ikke vil miste.
16. Happy-Go-Lucky (2008)
(Bildekreditt: Momentum Pictures)
Til tross for at Sally Hawkins ble en stjerne, har Happy-Go-Lucky – regissert av den produktive britiske filmskaperen Mike Leigh – gått under radaren siden utgivelsen i 2008. Kanskje var det på grunn av timingen. Happy-Go-Lucky handler om en bekymringsløs skolelærer (Hawkins) som kommer i konflikt med den blaserte verdenen rundt seg, og den tar til orde for at det er viktig å ha en positiv innstilling. Positivitet var ganske vanskelig å opprettholde på slutten av 2000-tallet, og det har bare blitt vanskeligere siden. Men Hawkins utstråler nok energi til at man kanskje tenker at det å være lykkelig faktisk er et valg man kan ta, i stedet for å være et resultat av noe annet.
15. Unleashed (2005)
(Bildekreditt: Universal Pictures)
I Louis Letteriers Unleashed, som kanskje er en av Jet Lis beste prestasjoner som dramatisk skuespiller (bare rolig, han sparker fortsatt rumpe), spiller kung fu-stjernen Danny, en rabiat mann som «oppdras» av en hensynsløs gangster (spilt av Bob Hoskins) til å bli hans personlige livvakt. Danny havner snart hos en blind pianostemmer (Morgan Freeman) og stedatteren hans (Kerry Condon), som gir Danny det oppvekstmiljøet han ikke har fått hele livet. Unleashed, som ble lansert i direkte konkurranse med Star Wars: Revenge of the Sith, gikk stort sett ubemerket hen og har siden blitt en oversett perle. Men Unleashed har like mye hjerte som den har hardtslående slag.
14. Lars og den virkelige jenta (2007)
(Bildekreditt: MGM)
Inspirert av at hun snublet inn på den offisielle nettsiden til RealDoll, skapte manusforfatter og regissør Nancy Oliver en hjertevarm og sympatisk versjon av den greske tragedien Pygmalion i dramakomedien Lars and the Real Girl fra 2007. Ryan Gosling spiller den snille, men sosialt keitete Lars, hvis romanse med en naturtro sexdukke ved navn Bianca bekymrer alle rundt ham. Selv om Gosling har gjort karriere på å spille den arketypiske drømmemannen i Hollywood – han var tross alt Barbies Ken – viser Lars and the Real Girl Goslings kameleontiske egenskaper, med en prestasjon som virkelig får deg til å føle med karakterens hjelpeløse (men ikke håpløse) følelse av verdi.
13. Meg, meg selv og Irene (2000)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
Selv om premisset, som er en satire over dissosiativ identitetsforstyrrelse, er støtende selv på papiret, er Jim Carrey så sterk i Farrelly-brødrenes svarte komedie Me, Myself & Irene at det er lett å le med. (Seriøst, bare se på «forvandlingen» hans. Jeg utfordrer deg til ikke å bli forbløffet over hva Carrey kan gjøre med ansiktet sitt). Carrey spiller Charlie, en saktmodig politimann fra Rhode Island som etter mange år med undertrykt sinne utvikler et mer selvsikkert og voldelig alter ego. Selv om det meste av filmens komikk dreier seg om hvor komisk upraktisk en splittet personlighet kan være, inneholder Me, Myself & Irene også mye sjokkhumor som holder deg på tå hev. Det er ikke det at man ikke kan lage en vulgær komedie som Me, Myself & Irene lenger. Det er bare det at ingen kan gjøre det så bra.
12. Sunshine Cleaning (2008)
(Bildekreditt: Relativity Media)
I Christine Jeffs’ herlige indie-komedie Sunshine Cleaning spiller Amy Adams og Emily Blunt søstrene Amy Adams og Emily Blunt, som begynner å jobbe som rengjørere av avskyelige åsteder. Selv om filmen fikk god kritikk av kritikerne og var en beskjeden kassasuksess, har Adams og Blunts enorme stjernestatus gjort Sunshine Cleaning til noe av en ettertanke i karrieren deres. Adams har sine Oscar-priser, og Blunt har vært med i alt fra Disney-musikaler til Christopher Nolan-epos. Likevel lykkes Sunshine Cleaning som en strålende indie-film fra midten av forrige århundre med ufattelig stjernekraft.
11. Titan A.E. (2000)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
Den produktive animasjonsfilmskaperen Don Bluth ga ut sin siste kinofilm i 2000, et sci-fi-eventyr med tittelen Titan A.E. Filmen utspiller seg i en fjern fremtid der jorden er ødelagt og menneskeheten er en nomadisk art spredt utover stjernene, og Cale (med Matt Damons stemme) oppdager en hemmelighet som kan bidra til å gi menneskeheten et nytt hjem. Titan A.E. ble en fiasko på kino, mye på grunn av et høyt produksjonsbudsjett og oppsigelser i Fox Animation Studios som hindret markedsføringen. I årene etter lanseringen har Titan A.E. imidlertid blitt en kultklassiker, selv om det er filmen som mer eller mindre satte en stopper for Bluths karriere som mainstream-regissør.
10. Bedre lykke i morgen (2002)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
Ekte hardbarkede fans av Fast & Furious-franchisen vet å inkludere Better Luck Tomorrow. Better Luck Tomorrow, som er regissert av Justin Lin og finansiert av fulle kredittkort og et bidrag fra MC Hammer i siste liten, følger en gruppe overpresterende asiatisk-amerikanske tenåringer som bruker sin status som mønsterstudenter til å begynne et kriminelt liv. I hovedrollene ser vi Parry Shen, Jason Tobin og John Cho, men også Sung Kang debuterer i rollen som Han, før han tok opp igjen rollen i Fast-sagaen. Filmen er løst inspirert av det virkelige drapet på tenåringen Stuart Tay i California, og Better Luck Tomorrow var en milepæl for representasjon av asiatisk-amerikanere som direkte utfordret de utbredte mytene om «mønsterminoriteter».
9. Stranger Than Fiction (2006)
(Bildekreditt: Sony Pictures Releasing)
Hva om livet ditt ikke var ditt eget, men noen andres verk? Det er tanken bak Marc Forsters Stranger Than Fiction, med Will Ferrell i hovedrollen som en skatteagent som begynner å høre en kroppsløs stemme fortelle om livet sitt som en litterær roman. Når han får vite at han ifølge fortellingen skal dø, gjør han alt han kan for å forhindre at det skjer. Ferrell briljerer i denne morsomme metafysiske kampen med skjebnen, og bruker sine anerkjente talenter som komisk skuespiller til uanstrengt å bevege seg inn i mer dramatiske rom. Selv om Stranger Than Fiction vanligvis omtales som en av Ferrells mer seriøse filmer, er det likevel lett å glemme den når vennene dine fortsatt høylytt siterer Talladega Nights og Step Brothers.
8. Igby går ned (2002)
(Bildekreditt: MGM)
Lenge før han ble en prisbelønt skuespiller, spilte Kieran Culkin hovedrollen i Burr Steers’ dramatiske komedie Igby Goes Down. Culkin spiller en sardonisk tenåring (Culkin var faktisk 20 år på den tiden) som jobber overtid for å bryte seg løs fra sin dominerende mor og velstående familie. Filmen, som best kan beskrives som det 21. århundrets Catcher in the Rye, er en oppvisning i Culkins talent for sardoniske karakterer og et velskrevet portrett av moderne ungdomstid. Det hjelper at Culkin også er omgitt av noen heftige stjerner, inkludert Jeff Goldblum, Claire Danes, Amanda Peet, Bill Pullman, Jared Harris og Susan Sarandon, som alle løfter materialet.
7. Vanilla Sky (2001)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
I Cameron Crowes engelskspråklige nyinnspilling av Alejandro Amenabars Open Your Eyes begynner en velstående magasinforlegger (spilt av Tom Cruise) å stille spørsmål ved sin egen virkelighet etter at en bitter elsker frivillig kjører dem inn i en fysisk ødeleggende ulykke. Vanilla Skys drømmeaktige form og tvetydige slutt, som er en blanding av eksistensiell sci-fi, romantisk drama og psykologisk thriller, gjør den til en av de mer eteriske filmene i Cruises filmografi. Selv om mange andre filmer griper fatt i lignende ideer – filmer som The Matrix, The Truman Show, Stranger Than Fiction og Synecdoche, New York – skiller Vanilla Sky seg ut gjennom sin egen utførelse av glanset surrealisme.
6. Dra meg til helvete (2009)
(Bildekreditt: Universal Pictures)
Etter at Sam Raimi var ferdig med Spider-Man-trilogien, vendte han tilbake til røttene med Drag Me to Hell, en demonisk overnaturlig skrekkfilm der en ambisiøs og hevngjerrig banklånsansvarlig (Allison Lohman) blir forhekset av en kvinne til å gjennomgå tre dager med pinsler før hun blir dratt til helvete for all evighet. Drag Me to Hell er tidvis vanvittig skremmende og tidvis vanvittig morsom, og er rett og slett Sam Raimi som fyrer løs på sine egne sylindere. I løpet av de neste årene skulle suksesser som Insidious, The Conjuring og The Babadook omdefinere sjangeren, men Drag Me to Hell er en undervurdert perle som virkelig symboliserte hvordan studioskrekkfilmer så ut på slutten av 2000-tallet. Selv i dag er slutten fortsatt skremmende i sin aggressive natur.
5. Repo! The Genetic Opera (2008)
(Bildekreditt: Lionsgate)
Hvis du gikk på teater på videregående skole på slutten av 2000-tallet, er sjansen stor for at du så og kanskje til og med elsket Repo! The Genetic Opera. Denne goth-rockmusikalen er inspirert av forfatteren Dan Smiths egne erfaringer med konkurs og utestenging, og forestiller seg en dyster fremtid der private helseforetak tjener penger på å selge organer til folk på avbetaling, og hvis de ikke betaler, blir organene «tatt tilbake». Med Alexa Vega og Paul Sorvino i hovedrollene – samt Paris Hilton i en mindre rolle – ser Repo! The Genetic Opera ser ut og føles som om noen har blandet grindcore, Takashi Miike-filmer og The Rocky Horror Picture Show i en blender. Den er likevel verdt å se, selv om du ikke lenger er en 17-åring som skråler showtunes etter øvingene.
4. DOA: Død eller levende (2006)
(Bildekreditt: Dimension Films)
Filmen Mortal Kombat fra 1995 ble lenge ansett som den eneste gode videospillfilmen, helt til det kom mer halvveis anstendige storfilmer som Sonic the Hedgehog og The Super Mario Bros. Movie kom. Men entusiastene vet at regissør Corey Yuen i 2006 stod bak den skamløst slibrige DOA: Dead or Alive, en filmversjon av den beryktede kampspillserien. Spillet, som har Sarah Carter, Devon Aoki, Holly Valance og Jamie Pressley i hovedrollene, stjeler åpenlyst fra Enter the Dragon – premisset er en kampsportturnering på en eksotisk øy – men byr samtidig på noen egne vendinger som sørger for at øynene sitter klistret til lerretet. DOA: Dead or Alive setter skamløst søkelyset på vakre jenter, men det er også stilig nok som en actionfilm av B-klasse til at det føles engasjerende og ikke som tankeløs knappemashing.
3. Torque (2004)
(Bildekreditt: Warner Bros. Pictures)
Etter å ha regissert musikkvideoer for popstjerner som Britney Spears og Backstreet Boys debuterte Joseph Kahn som spillefilmregissør med Torque, en halsbrekkende actionfilm som føles mer som å spille et racerspill. I Torque, som har Adam Scott, Martin Henderson, Jamie Pressly, Jay Hernandez og Christina Milian på rollelisten, følger vi en motorsyklist på flukt etter å ha blitt beskyldt for mord. Ved første øyekast kan Torque se ut som en imitasjon av The Fast & the Furious – det er til og med en replikk som gir Dominic Toretto en nese i trynet – men Kahns enestående kunstnerskap sørger for at Torque blir en helt egen opplevelse. Et sant maksimalistisk bombardement av sansene som en viss «familie» aldri kunne drømme om å holde tritt med.
2. A Scanner Darkly (2006)
(Bildekreditt: Warner Independent Pictures)
Rotoscoping er ikke en ny animasjonsteknikk. Den ble skapt av Max Fleischer i 1915, og ble brukt med stor effekt av Disney gjennom hele 1900-tallet. Men i 2006 fant Richard Linklater en måte å bruke rotoskopestetikken på som et vindu inn i fremtiden i A Scanner Darkly, hans filmatisering av Philip K. Dicks roman. I et USA i en nær fremtid strever en spaner med å skille mellom virkelighet og rusinduserte hallusinasjoner. Til tross for megastjerner som Keanu Reeves, Robert Downey Jr., Woody Harrelson og Winona Ryder klarte ikke A Scanner Darkly å elektrifisere kinoen. Filmen har siden blitt en kultfilm, ettersom filmens uvanlige utseende fortsatt føles så spennende og friskt selv nå, i tillegg til den ubehagelige settingen av et stadig mer hjelpeløst USA infisert av fascistisk politi.
1. Road to Perdition (2002)
(Bildekreditt: DreamWorks Pictures)
I 2002 våget Tom Hanks å utfordre sitt eget image som en sunn hovedrolleinnehaver i Sam Mendes’ Road to Perdition. I en løs gjenfortelling av mangaserien Lone Wolf & Cub spiller Hanks en leiemorder for den irske mafiaen i depresjonstidens Illinois som flykter sammen med sønnen (Tyler Hoechlin) etter at resten av familien er slaktet. Det meste av spenningen i filmen ligger i Hanks’ rollefigur Michael Sullivan, som nekter å la sønnen vokse opp til å bli som ham, men likevel lærer ham opp i yrket sitt mens de unnslipper rivaliserende gangstere og en spesielt kaldblodig leiemorder (Jude Law). Hvis Road to Perdition var ment å omskape Hanks’ merkevare som skuespiller, mislyktes den; skuespilleren har siden spilt flere gode menn, inkludert virkelige mennesker som har reddet liv. Men Road to Perdition er likevel en vakker og gripende film om hvor langt vi strekker oss for å beskytte barna våre, selv om det betyr at vi må tvinge dem til å bli voksne før de er klare for det.