I det første tiåret etter andre verdenskrig hadde den globale filmindustrien ikke gått glipp av noe. Men hvilke av dem er egentlig de beste?
På midten av 1900-tallet utviklet filmkunsten seg i takt med forfiningen av den kommersielle studiostilen. Samtidig tok progressive eksperimenter, fra elektronisk musikk til utbredt bruk av Technicolor og widescreen-panorama, mediet til et nytt nivå. Samtidig ble filmstjernene mer og mer vant til å være den eneste grunnen til at publikum i det hele tatt gikk på kino.
I løpet av 1950-tallet ble også filmens arena utvidet. Mens amerikanskproduserte Hollywood-filmer hadde kulturell og kommersiell dominans, begynte filmer fra andre deler av verden – Japan, Sverige, Italia, Frankrike og andre steder – å gjøre seg gjeldende.
Selv om det rådende bildet av 1950-tallet kanskje er preget av sunne amerikanske verdier, var de beste filmene som kom ut av disse årene alt annet enn det. I en tid preget av kommunistisk heksejakt, begynnelsen på den kalde krigen og grusomhetene som ble begått og utholdt under andre verdenskrig, er de beste filmene fra 1950-tallet gjennomsyret av paranoia, psykologisk besettelse og tåpelig tapperhet mot uoverkommelige odds. Men det ble også sunget og danset.
For å bevise hvor stemningsmessig mangfoldig 1950-tallet faktisk var, presenterer vi her 32 av tiårets beste filmer.
32. De ti bud (1956)
(Bildekreditt: Paramount)
Cecil B. DeMilles siste film er uten tvil hans mesterverk, en Hollywood-blockbuster av bokstavelig talt bibelske proporsjoner. The Ten Commandments er basert på flere kildetekster, blant annet Doroth Clarke Wilsons Prince of Egypt, J. H. Ingrahams Pillar of Fire og ikke minst Bibelen, og følger Moses (Chartlon Heston) fra han blir født og adoptert i Egypt til han aksepterer Guds regler på toppen av Sinaifjellet. The Ten Commandments er mer enn bare en påkostet episk biografi, den forteller også om Moses’ rivalisering med Ramses II (Yul Brynner). Uansett hva du tror på, kan du ikke nekte for filmens spektakulære majestet. Selv i dag er De ti bud fortsatt det alle megadyre Hollywood-blockbustere bør strebe etter å etterligne.
31. Askepott (1950)
(Bildekreditt: Disney)
Etter utgivelsen av Snøhvit og de syv dvergene i 1937 brukte Disney 40-tallet til å samle makt og innflytelse som animasjonsstudio med kassasuksesser som Pinocchio, Dumbo og Bambi. I 1950 sparket Disney i gang tiåret med Askepott, en fantastisk musikalsk fantasi om et overarbeidet foreldreløst barn som blir ballets dronning, regissert av Wilfred Jackson, Hamilton Luske og Clyde Geronimi. Askepott er uten tvil forløperen til alt som definerer Disney og deres spesifikke stil for myteskaping, og står sterkt i sin universelle historie om magi, ekte kjærlighet og det å ha riktig størrelse på føttene. Når du ser den nå, kan du ikke annet enn å synge «Bibiddi-Bobbidi-Boo!»
30. Den forbudte planet (1956)
(Bildekreditt: MGM)
«Man kan ikke se gorgonens ansikt og overleve!» Før Star Wars endret sci-fi-filmspråket for alltid, fantes Forbidden Planet. Forbidden Planet, regissert av Fred M. Wilcox og med Walter Pidgeon, Anne Francis og Leslie Nielsen i hovedrollene, er både en herlig pastisj på klassisk pulp-sci-fi og en sann innovatør, fra den banebrytende helelektroniske musikken til introduksjonen av konsepter som menneskeskapt raskere-enn-lyset-reise. (Filmens fremste karakter, Robby the Robot, er også en Hollywood-legende i seg selv). Historien handler om en militærkrysser som sendes ut for å undersøke hvor savnede kolonister befinner seg, et premiss som har blitt gjentatt av så mange andre i sjangeren i de mange tiårene som har gått siden.
Forbidden Planet£7.99på Amazon£21.36på Amazon
29. Det syvende seglet (1957)
(Bildekreditt: SF Studios)
Siden premieren i 1957 har Ingmar Bergmans Det syvende segl vært regissørens største film gjennom tidene, og det er den som har befestet Sveriges plass på verdens filmarena. I denne historiske fantasifilmen, som utspiller seg under svartedauden, følger vi en edel ridder (Max von Sydow) som spiller sjakk mot den hettekledde, uhyggelige Døden (Bengt Ekerot). Rundt seg har de et ensemble av karakterer som opptrer i moralistiske tablåer som føles som prekener. I en tid preget av grusomheter som Holocaust og atombomber, definerer Bergmans film helt og holdent sin tid, men føles likevel tidløs i sin trøstesløshet og melankoli.
28. Sunset Boulevard (1950)
(Bildekreditt: Paramount)
Hollywood er vanvittig forelsket i historier om seg selv, selv de dystre. I 1950 befant filmindustrien seg i en ny tidsalder der «talkies» var normen og filmstjernene begynte å få mer makt og kulturell innflytelse. Inn kom: Sunset Boulevard av Billy Wilder. Gloria Swanson spiller hovedrollen som Norma Desmond, en avdankede stumfilmstjerne som forsøker å gjøre comeback ved hjelp av manusforfatteren Joe (William Holden). Sunset Boulevard er en dyster advarende fortelling om berømmelsens giftighet og flyktige natur, og er et opprivende stykke mørk Hollywood-selvrefleksjon. Den egner seg godt i en dobbeltserie med filmer som Mulholland Drive, Birdman, Map to the Stars, Once Upon a Time in Hollywood og Babylon.
27. Les Diaboliques (1955)
(Bildekreditt: CinÉdis)
I denne franskspråklige psykologiske skrekkthrilleren fra regissør Henri-Geoorges Clouzot samarbeider kona og elskerinnen til en grusom skolerektor om å drepe ham, bare for å bli hjemsøkt av handlingene sine når liket hans forsvinner. Les Diaboliques (utgitt som Diabolique i USA) oppfant ikke nødvendigvis skrekksjangeren, men dens innflytelse taler for seg selv; Psycho-forfatteren Robert Bloch nevnte denne filmen som en av sine favoritter i et intervju i 1983. Les Diaboliques er stappfull av spenning og paranoia, og må anerkjennes som et mordmysterium som gjennomføres feilfritt uten en dråpe blod.
26. Roman Holiday (1953)
(Bildekreditt: Paramount)
Audrey Hepburn og Gregory Peck briljerer sammen i William Wylers luftige, men bittersøte romantiske komedie. I Roman Holiday spiller Hepburn en europeisk prinsesse som vandrer rundt i Roma og finner seg selv i selskap med en sjarmerende amerikansk journalist (Peck). Sammen nyter de to en uventet romantisk tur gjennom den gamle byen, og tillater seg å fråtse i en kortvarig ekstase før de gjenopptar sine individuelle liv. I filmen sier en tårevåt Hepburn: «Jeg vet ikke hvordan jeg skal ta farvel.» Roman Holidays vedvarende appell så mange år senere viser at publikum heller ikke vet det.
25. Shane (1953)
(Bildekreditt: Paramount)
Før superheltene regjerte på kino, var det cowboyene og revolvermennene i westernfilmene. Sjangeren nådde sitt høydepunkt på 1950-tallet, da én film raget over dem alle: Shane, et nydelig regissert panoramaepos fra George Stevens. Shane er basert på en bok av Jack Schaefer og handler om en dyktig revolvermann (Alan Ladd) som desperat ønsker å legge voldshistorien bak seg. Etter å ha slått rot hos en bondefamilie i Wyoming blir Shane tvunget ut av «pensjonisttilværelsen» for å bekjempe rovgriske skurker og hensynsløse baroner. Til slutt rir Shane inn i solnedgangen mens et barn roper på ham om å «komme tilbake», noe som utilsiktet varsler westernfilmens snarlige forsvinning som vår ideelle representasjon av heltemot.
24. Noen liker det hett (1959)
(Bildekreditt: United Artists)
En av Marilyn Monroes største filmer ble også en av hennes siste. I Billy Wilders screwball-krimkomedie Some Like It Hot spiller Tony Curtis og Jack Lemmon hovedrollene som jazzmusikere fra forbudstiden som unnslipper Chicago-gangstere ved å forkle seg som damer og bli med i et omreisende kvinnelig band på vei til Miami. De to ender opp med å falle for bandets vokalist og ukulele-spiller, Sugar (Monroe), og begynner å konkurrere om hennes kjærlighet mens de opprettholder sine falske identiteter. Selv om «ingen er perfekt», er Some Like It Hot en perfekt komedie.
23. Singin’ in the Rain (1952)
(Bildekreditt: MGM)
Singin’ in the Rain, regissert og koreografert av Gene Kelly og Stanley Donen, er langt mer enn de evigvarende bildene av åpne paraplyer, gule regnfrakker og Debbie Reynolds som danser seg til heder og ære. Handlingen utspiller seg i 1927, og stumfilmtiden er på hell når filmstjernen Don Lockwood (Kelly), hans pianospillende bestevenn Cosmo (Donald O’Connor) og den håpefulle skuespillerinnen Kathy Selden (Reynolds) samarbeider om et nytt prosjekt som skal utnytte den spennende nye teknologien med synkronisert lyd til levende bilder. Singin’ in the Rain er morsom og fargerik, og gleder seg over den solfylte siden av Hollywoods stadig fremadstormende utvikling som så ofte knuser drømmer.
22. Gojira (1954)
(Bildekreditt: Toho)
Over ti år etter at Japan ble utsatt for atombombardementet som avsluttet andre verdenskrig, dukket et uhellig monster opp fra havet for å minne menneskeheten om den forestående utslettelsen. Den japanske originalfilmen Gojira av Ishiro Honda, som i den vestlige verden er kjent som Godzilla, er et ruvende mesterverk av monsterskrekk der det er umulig å skille mellom menneskets og dyrets grusomheter. Selv om «Godzilla» siden har blitt en tegneseriehelt på begge sider av Stillehavet, har nyinnspillinger og reboots gjennom hele det 21. århundret forsøkt å gjenskape den store G’ens opprinnelige nyanser som et Lovecraft-aktig mareritt. Noen har lyktes. Men når de mislykkes, finnes det fortsatt Gojira.
21. The Quiet Man (1952)
(Bildekreditt: Republic Pictures)
Selv om John Wayne var mest kjent som en helt i Hollywoods westernfilmer, gir regissør John Ford publikum en annen versjon av ikonet i sin frodige romantiske komedie The Quiet Man, basert på en novelle i Saturday Evening Post. På den irske landsbygda på 1920-tallet spiller John Wayne Trooper Thorn, en irskfødt amerikansk bokser som ønsker å kjøpe familiens gamle gård da han forelsker seg i den iltre Mary Kate (Maureen O’Hara). Filmen er filmet i levende Technicolor, og Fords film føles virkelig levende med sine fantastiske øyeblikksbilder av den irske landsbygda, for ikke å snakke om O’Haras vakre, røde hår som står i kontrast til det grønne landskapet. Selv om filmens skildring av kjønnsroller føles svært utdatert, kan du ikke annet enn å nyte naturen Ford har fanget.
20. Opprør uten grunn (1955)
(Bildekreditt: Warner Bros.)
Den udødelige hjerteknuseren er uten tvil den definitive James Dean-filmen, og briljerer i Nicholas Rays fantastiske oppvekstdrama som avslører styggheten som bobler i USAs tenåringer etter krigen. Filmen utspiller seg i samtidens Los Angeles, og Dean spiller hovedrollen som Jim Stark, en plaget tenåring som er fanget mellom kranglete foreldre. Han innleder en vaklende romanse med en annen jente fra high school, Judy (Natalie Wood), som også har problemer hjemme og omgås et tøft miljø. James Dean døde i en bilulykke i september 1955, 24 år gammel, og Rebel Without a Cause ble utgitt posthumt bare noen uker etter hans bortgang. Men filmens ugjenkallelige innvirkning har sementert Deans status for ettertiden og sikret at alle generasjoner kan se en bit av seg selv i James Deans sympatiske øyne.
19. Natten og byen (1950)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
I frykt for å bli svartelistet under McCarthyismen flyktet filmskaperen Jules Dassin til London og lagde en film gjennomsyret av mistenksomhet, fortvilelse og mistillit. I Night and the City spiller Richard Widmark Harry Fabian, en selvdestruktiv amerikansk svindler som blir en del av handlingen i Londons profesjonelle wrestlingkrets. Selv om Night and the City ofte blir oversett i forhold til andre noir-klassikere, er den en snuskete thriller som er innbegrepet av britisk pulp fiction, med bakgater og barrom som vrimler av amoralske karakterer som bare er lojale mot seg selv. Selv om det finnes to ulike versjoner av filmen med kontrasterende slutt – en for det britiske publikummet, en annen for det amerikanske – insisterer Dassin på at den kyniske amerikanske versjonen ligger nærmere hans visjon.
18. Tokyo Story (1953)
(Bildekreditt: Shochiku)
Akira Kurosawa ble på 1950-tallet en av Japans mest berømte filmskapere. Men en av hans største samtidige var Yasujiro Ozu, hvis modernistiske, minimalistiske stil står i sterk kontrast til Kurosawas feiende operaer. I 1953 regisserte Ozu det som regnes som et av hans mesterverk: Tokyo Story, om et pensjonistpar som reiser til Tokyo for å besøke sine fire voksne barn. Ozus film, som holder et langsomt tempo og et kamera som nesten aldri beveger seg, utforsker den vestlige verdens umiddelbare innflytelse over Japan i årene etter andre verdenskrig og foreldrenes universelle fremmedgjøring fra sitt oppvoksende avkom. Selv om dette ikke er en komedie, avslører den milde humoren den strålende skjønnheten som finnes i hverdagen til den lavere middelklassen.
17. Draculas skrekk (1958)
(Bildekreditt: Universal)
Flere år etter at Universals monstre trakk seg tilbake i skyggen, innledet det britiske studioet Hammer sin egen æra med Dracula (kjent i USA som Horror of Dracula) med Sir Christopher Lee som den ikoniske vampyren. I motsetning til Bela Lugosis ikoniske, men karikerte opptreden som den transsylvanske greven, er Lee en kjekkere utgave som fremhever det erotiske ved vampyrer og deres hang til halsbiting og blodtapping. (Lees versjon introduserte for øvrig også doble huggtenner, noe Lugosi ikke hadde i sin film fra 1931). Lee spilte Dracula i mange flere filmer etterpå, men debuten fra 1958 er fortsatt den beste.
16. herfra til evigheten (1953)
(Bildekreditt: Columbia)
I Fred Zinnemanns romantiske og dystre epos fra 1953 møter amerikanske soldater stasjonert på Hawaii sine skjebner i dagene før angrepet på Pearl Harbour. Blant de stjernespekkede skuespillerne finner vi Frank Sinatra, Burt Lancaster, Deborah Kerr og Donna Reed, men det er Montgomery Clift som er filmens ankermann i rollen som menig Robert E. Lee «Prew» Prewitt, en dedikert soldat og talentfull hornblåsere som nekter å etterkomme kapteinens ønske om å vinne boksemesterskap. Alle de medvirkende, som alle er ikoner fra den siste delen av Hollywoods gullalder, er i toppform som dødsdømte mennesker på vei mot en tid da livene deres forandres for alltid. Montgomery Clift var som kjent motvillig til å spille mange roller, men From Here to Eternity er uten tvil blant hans beste.
15. Blodets trone (1957)
(Bildekreditt: Toho)
Akira Kurosawas fengslende gjenfortelling av Shakespeares Macbeth har den uutslettelige Toshiro Mifune i hovedrollen som en samurai som er Macbeths svar på Macbeth, og som av en ond skogsånd får vite om sin nært forestående fremtid som slottsherre. Throne of Blood er en kulturell sammensmelting av Shakespeare-motiver og japansk Noh-teater, og er fortryllende som et tåkefylt mareritt der makten kommer lett, men styrken til å holde på den har en høy pris. Throne of Blood er delvis politisk thriller, delvis skrekkfantasi, og er en ærefryktinngytende film som gjør seg fortjent til udødelighet i en haglstorm av piler.
14. 12 sinte menn (1954)
(Bildekreditt: United Artists)
Praktisk talt alle generasjoner har fått sin versjon av 12 Angry Men. Men i 1957 brakte regissør Sidney Lumet en uforglemmelig produksjon til lerretet med en rollebesetning som inkluderte Martin Balsam, John Fielder, Lee J. Cobb, Jack Klugman, Henry Fonda med flere. 12 Angry Men er basert på Reginald Roses skuespill fra 1954 og tar utgangspunkt i uenighetene i en jury som febrilsk diskuterer om en tenåring skal dømmes eller frikjennes for drap. Nesten alle rettssalsdramaer i ettertid har tatt utgangspunkt i 12 Angry Men, som samler all dramatikken i et enkelt juryrom, men som aldri føles innestengt.
13. Ben-Hur (1959)
(Bildekreditt: MGM)
De ti bud var ikke den eneste religiøse storfilmen på 1950-tallet. I 1959 spilte Charlton Heston hovedrollen i William Wylers prisbelønte epos av enorme dimensjoner. Bokstavelig talt hundrevis av håndverkere var i sving bak kulissene, inkludert 100 kostymemakere, 200 kunstnere, 10 000 statister, 200 kameler og 2500 hester, alt for å presse det da nye widescreen-formatet til det ytterste. Men der Ben-Hur på uforklarlig vis lykkes, er at den fortsatt forteller den fokuserte historien om Judah Ben-Hur, helten i Lew Wallaces roman fra 1880 om en jødisk prins som blir gjort til slave av romerne og senere møter den eneste ene Jesus Kristus. Selv dagens megadyre franchise-oppfølgere er ikke i nærheten av å kunne måle seg med Ben-Hur.
12. En sporvogn til begjær (1951)
(Bildekreditt: Warner Bros.)
Elia Kazans filmatisering, som er basert på Tennesee Williams’ Pulitzer-belønte skuespill om giftige forhold, har Vivien Leigh, Kim Hunter og selvfølgelig Marlon Brando i hovedrollene. Sørstatsskjønnet Blanche (Vivian Leigh) reiser fra Mississippi for å bo sammen med søsteren i en falleferdig leilighet i New Orleans. Selv om det hjelper at materialet den er basert på, i seg selv er en ærverdig klassiker som de beste skuespillerne kan sette tennene i, er Kazans filmversjon et sant kraftverk i hvordan den fanger noen av de største skuespillerne Hollywood noensinne har sett på sitt aller beste.
11. Paths of Glory (1957)
(Bildekreditt: United Artists)
I samtalen om Stanley Kubrick blir krigsfilmen Paths to Glory fra 1957 ofte oversett; hans andre mesterverk som 2001: A Space Odyssey, A Clockwork Orange, The Shining, Full Metal Jacket og Eyes Wide Shut dominerer vanligvis folks oppmerksomhet. Men Kubrick viste sine uvanlige, men skarpe ferdigheter som visuell mester i sin fjerde film. Paths of Glory, som utspiller seg i Frankrike under første verdenskrig, har Kirk Douglas i hovedrollen som en kommanderende offiser som nekter å gå videre med det som egentlig er et selvmordsangrep, og som deretter blir anklaget for feighet i krigsretten. Kubrick var bare 29 år gammel da han regisserte Paths of Glory, og ryktet rundt hans upåklagelige regi fulgte ham i årevis, selv etter hans død i 1999.
10. Hiroshima mon amour (1959)
(Bildekreditt: Rialto Pictures)
Hvis en erotisk drøm kunne vært en film, ville den sett ut som Hiroshima mon amour. I denne samproduksjonen mellom Frankrike og Japan slipper regissør Alain Resnais publikum brått inn i intimiteten til en japansk mann (Eiji Okada) og en fransk kvinne (Emmanuelle Riva), med kroppene deres dekket av både svette og aske. Filmen utfolder seg ikke-lineært og forteller om disse to fremmede parets korte romanse i etterkrigstidens Japan, hjemsøkt av kjernefysiske ødeleggelser. Denne umulige kjærlighetshistorien og meditasjonen over internasjonale traumer bidro til å katapultere den franske nye bølgen til et verdensomspennende publikum.
9. Klodenes krig (1953)
(Bildekreditt: Paramount)
Byron Haskins filmatisering fra 1953 er basert på H.G. Wells’ roman fra 1898, og ser dagens Sør-California som grensen for en invasjon fra Mars. Med Orson Welles’ legendariske radiosending i bakhodet da filmen kom ut, utnytter War of the Worlds filmmediet som visuelt medium med den bemerkelsesverdige kontrasten mellom den amerikanske hærens primitive artilleri og Mars’ elegante, utenomjordiske teknologi. Filmen er nyskapende som spesialeffektfest, men udødelig som en opprivende fortelling om at mennesket aldri kan være for sikker på å være den mest intelligente arten.
8. High Noon (1952)
(Bildekreditt: United Artists)
Westernklassikeren High Noon, regissert av Fred Zinneman, utspiller seg i sanntid og følger en sheriff (Gary Cooper) som står mellom valget mellom å konfrontere en skurkebande alene eller å flykte sammen med kona (Grace Kelly). Med sin sterke destillasjon av westernheltemotet ned til en enkelt mann mot en ond horde, bidro High Noon til å revitalisere westernfilmen i mange år fremover. Det bør ikke overraske noen at flere amerikanske presidenter har uttrykt beundring for High Noon, deriblant Dwight Eisenhower, Ronald Reagan og Bill Clinton.
7. On the Waterfront (1954)
(Bildekreditt: Columbia)
Inspirert av en serie Pulitzer-belønte artikler skrevet av Malcolm Johnson for New York Sun, gjenforenes regissør Eliza Kazan og Marlon Brando i On the Waterfront i et brennende drama om kriminalitet og korrupsjon på havnefronten i Hoboken, New Jersey. Brando spiller Terry Malloy, en tidligere bokser som på oppfordring fra en mafiaboss med overlegg har arrangert et slagsmål. Terry, som nå jobber som havnearbeider, blir forferdet når han blir tvunget til å tie etter å ha vært vitne til drapet på en annen havnearbeider. On the Waterfront er en av mange filmer på begynnelsen av 50-tallet som brukte historiefortellingen til å fordømme McCarthyismen, men historien gir gjenklang også etter denne tiden som et portrett av hjelpeløshet i møte med overveldende odds.
6. De syv samuraier (1954)
(Bildekreditt: Toho)
Akira Kurosawas episke klassiker om samuraier som forener seg for å forsvare en sårbar landsby, inspirerer og begeistrer selv etter alle disse årene. Med et ensemble med Takashi Shimura, Yoshio Inaba, Daisuke Kato, Seiji Miyaguchi og Toshiro Mifune i spissen, skapte Kurosawas fortelling sin egen undersjanger av bølleaktige menn som slår seg sammen for en edel sak fremfor egoistiske formål. Det har ikke bare kommet direkte remakes, som The Magnificent Seven fra 1960 (som gjorde filmen om til en cowboywestern), men også åndelige hyllester i filmer som The Dirty Dozen, Saving Private Ryan, The Expendables, The Avengers, Justice League og hele Star Wars-franchisen.
5. North by Northwest (1959)
(Bildekreditt: MGM)
Alfred Hitchcock avsluttet 1950-tallet med spionthrilleren North by Northwest, en varig gigant av en film. Filmen, med Cary Grant og Eva Marie Saint i hovedrollene, følger en uskyldig mann (Cary Grant) som flykter for livet gjennom USA fra mystiske agenter som tror at han smugler statshemmeligheter. I 1959 var Hitchcock allerede en berømt kunstner, men med North by Northwest befestet han sin genialitet i en film som var både spennende og leken.
4. Rear Window (1954)
(Bildekreditt: Paramount)
I dette gripende storbymysteriet mistenker en fotograf (James Stewart) som er i ferd med å komme seg etter et benbrudd, at naboen over gaten kan ha myrdet noen. Ved hjelp av sin rastløse sosietetskjæreste (Grace Kelly) og sykepleieren (Thelma Ritter) søker Stewarts rollefigur Jeff rettferdighet uten å miste forstanden. Selv i vår moderne tid, når våre sosiale feeder benytter seg av POV-film og smarttelefonkameraene våre har gjort oss alle til amatørfotografer, viser Hitchcocks film den dramatiske kraften i et begrenset perspektiv.
3. Umberto D. (1952)
(Bildekreditt: Rialto Pictures)
I denne nyrealistiske klassikeren fra den italienske filmskaperen Vittorio De Sica gjør en fattig eldre mann i Roma alt han kan for å overleve sammen med hunden sin. Filmen var upopulær blant det italienske publikummet da den kom ut, ettersom hele Italia var midt i gjenreisningen etter krigen, og en skrøpelig mann som tigger på gatene ikke var smigrende for landets image. Men publikum over hele verden har vokst til å beundre Umberto D. som en hjerteskjærende historie om godhet som har blitt uthulet av moderniteten. Umberto D. er en iskald klassiker innen verdensfilmen og har lite å tilby, men mye å gi.
2. Kyss meg dødelig (1955)
(Bildekreditt: United Artists)
Hvis noen skulle tro at 1950-tallet var tilknappet, veloppdragent og fullt av sunne verdier, så se mørket i Kiss Me Deadly. Robert Aldrichs filmatisering av Mickey Sillanes roman handler om detektiven Mike Hammer (Ralph Meeker) som plukker opp en haikende kvinne (Maxine Cooper), noe som blir starten på en forferdelig og uforglemmelig natt. Kiss Me Deadly, som har blitt hyllet som en forløper for den franske nye bølgen og forstått som en metafor for den kalde krigen, har påvirket de mest anerkjente filmgigantene, deriblant Francois Truffaut, Jean-Luc Godard og Quentin Tarantino. Det er rett og slett et ruvende verk.
1. Vertigo
(Bildekreditt: Paramount)
Alfred Hitchocks psykologiske thriller Vertigo, som kom ut i 1958, havner jevnlig på en rekke best-of-lister; i 2012 vippet den som kjent Citizen Kane av den ettertraktede førsteplassen i The Sight & Sound Greatest Films of All Time. Det er ikke uten grunn at den blir hyllet slik. James Stewart spiller hovedrollen som John «Scottie» Ferguson, en pensjonert kriminalbetjent som la fra seg skiltet etter å ha fått akrofobi – høydeskrekk. Men når Scottie blir hyret av en bekjent til å følge etter kona Madeleine (Kim Novak), må han konfrontere sin egen frykt. Med sin opptatthet av psykologisk besettelse balanserer Vertigo på grensen mellom opprørsk underholdning og intellektuell arthouse-stil, og iblant blander den de to på en måte som bare Alfred Hitchcock kunne. Selv om du ikke synes den er «tidenes beste film», er den utvilsomt en av de beste i sitt tiår.