Uansett hvordan du tror 1960-tallet var eller så ut, må du tro om igjen. Det turbulente tiåret er mangfoldig på alle mulige måter, også når det gjelder film. Men hvilke filmer fra 1960-tallet er egentlig de beste?
I et tiår preget av skiftende samfunnsnormer, for ikke å snakke om borgerrettighetsbevegelsen og det politiske kaoset i Vietnam, gjenspeilte også filmene fra 1960-tallet et verdenssamfunn i endring. Avantgarde utenlandsk import fra Japan, Italia, Frankrike og andre steder tok oppmerksomheten bort fra velprøvde amerikanske stiler. Samtidig ble filmskaperne utfordret av et nytt og billigere underholdningsalternativ: fjernsynet. I stedet for å tilby et høyere spektakelnivå enn TVs små budsjetter kunne matche, forsøkte tiårets filmer å utfordre publikum med mer subversive historier som flyttet grensene for det akseptable.
I likhet med 1950-tallet forutså 1960-tallet de moralske tvetydighetene i en nær fremtid. I takt med at Hays-koden mistet sitt jerngrep, ga den plutselige eksplosjonen av New Hollywood – som allerede var blitt forhindret av den franske nye bølgen – filmskaperne større kreativt spillerom, slik at de i filmene sine kunne gjenspeile den hippe motkulturen som gjennomsyret byer, kollektiv og universitetsområder overalt.
Det er mange klassiske filmer å nevne, men her er bare 32 av de beste filmene fra 1960-tallet.
32. Batman (1966)
(Bildekreditt: Warner Bros.)
Hellige kino, Batman! Opprinnelig ble Batman-filmen fra 1966 (regissert av Leslie H. Martinson) laget av produsent William Dozier for å promotere TV-serien, men nå representerer den camp art i all sin ekstravagante prakt. Med Adam West i rollen som gjorde ham berømt, kjemper den kappekledde korsfareren mot Gotham Citys mest ondskapsfulle skurker som har slått seg sammen i United Underworld. Selv om det på ingen måte er den beste superheltfilmen som noensinne er laget, gjør sammenfatningen av den berømte TV-serien – oppblåst for det store lerretet – Batman til en av de mest fargerike, opprørende og morsomme kommersielle filmene i et utfordrende tiår. Det er sannelig noen dager man bare ikke blir kvitt en bombe.
31. Barbarella (1968)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
Jane Fonda spiller hovedrollen i en kultfilm av ypperste klasse, en sci-fi-perle i B-klassen som har sin tiltrekningskraft i det faktum at Jane Fonda er en lekkerbisken i verdensrommet. (Og Barbarella er så severdig på grunn av Fondas iver etter å gjøre hva som helst). Filmen er basert på den franske tegneserien og følger Barbarella (Fonda), en romfarer som blir sendt ut for å finne en vitenskapsmann med et våpen som kan utslette menneskeheten. Etter at stjerner som Brigitte Bardot og Sophia Loren takket nei til rollen, nølte Fonda på grunn av filmens seksualiserte natur; på den tiden var Fonda i sentrum for to nakenskandaler i forbindelse med filmene Circle of Love og The Game Is Over. Men Fonda ble overbevist da regissør Roger Vadim fortalte henne at sci-fi snart vil bli en prestisjefylt sjanger. Det er fortsatt ni år til Star Wars, så Vadim hadde stort sett rett, selv om Barbarella ikke er en like stor franchise i dag.
30. Paraplyene i Cherbourg (1964)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
I Jacques Demys uforglemmelige romantiske gjennomgangsmusikal er et ungt fransk par ivrige etter å finne sammen for alltid, helt til de blir revet fra hverandre av Algerie-krigen. Når de uunngåelig gjenforenes, avslører de iskalde temperaturene at lidenskapen som en gang var varm, har blitt kald. Catherine Deneuve og Nino Castelnuovo spiller et fortryllende par på lerretet som representerer den universelle spenningen ved å være ung og forelsket, tragedien ved å finne kjærligheten for tidlig og den bitre erkjennelsen av at livet ikke alltid går som planlagt. Av filmene som utgjør Demys romantiske trilogi – inkludert Lola (1961) og De unge jentene i Rochefort (1967) – er Paraplyene i Cherbourg den filmen som er mest tro mot den unge kjærlighetens bittersøte forgjengelighet.
29. onibaba (1964)
(Bildekreditt: Toho)
Denne filmen er så skremmende at den skremte selv William Friedkin, regissøren av Eksorsisten. Onibaba er en gjenfortelling av en buddhistisk lignelse om en forbannet maske som straffer dem som bærer den, og følger to kvinner som lokker omreisende samuraier til å drepe dem og selge våpnene deres for penger. Når en mann kommer mellom dem, virvler eldgamle følelser som misunnelse og raseri opp som vindene i en mørk, uhellig storm. Dette er en makaber film med en eldgammel energi, og denne forseggjorte metaforen for Japans ettervirkninger av atombombene får ekstra mening når man vet at manusforfatteren og regissøren Kaneto Shindō var fra Hiroshima. Onibaba er en av Shindōs mange filmer som tar for seg atombombens grusomheter og hans egen personlige virkelighet, der han så sitt eget hjem bli jevnet med jorden og de overlevende sitte igjen med uopprettelige sår.
28. Easy Rider (1969)
(Bildekreditt: Columbia Pictures)
Den amerikanske nybølgen startet for fullt med Easy Rider, en moderne western om noen. Easy Rider, som er regissert av Dennis Hopper og skrevet av Hopper sammen med Peter Fonda og Terry Southern, følger to motorsyklister (spilt av Hopper og Fonda) som kjører fra de amerikanske sørstatene og drar vestover med penger de har tjent på en lukrativ kokainhandel. Easy Rider er en milepæl i motkulturens epos, og har egenhendig formet vårt kollektive vokabular for den åpne veien som den siste grensen for eventyr, og det eneste stedet på jorden hvor man kan finne en følelse av identitet og frihet.
27. leiligheten (1960)
(Bildekreditt: United Artists)
Hvis bare veggene kunne snakke. I Billy Wilders romantiske komedie The Apartment fra 1960 spiller Jack Lemmon en ambisiøs forsikringsansatt som, i håp om å stige i gradene på arbeidsplassen, lar sine eldre kolleger bruke leiligheten sin på Upper West Side til sine utenomekteskapelige affærer. Ting kompliseres når Lemmons Bud forelsker seg i Fran (Shirley MacLaine), som har en affære med Buds egen sjef. The Apartment er løst inspirert av den britiske filmen Brief Encounter fra 1945 og en virkelig Hollywood-skandale som involverte en produsents affære som foregikk i den ansattes leilighet, og er en herlig komedie om å aldri være for nærme handlingen.
26. Å drepe en sangfugl (1962)
(Bildekreditt: Universal Pictures)
Harper Lees banebrytende roman fra 1960, om en prinsippfast advokat som forsvarer en uskyldig svart mann anklaget for seksuelle overgrep, ble mesterlig filmatisert to år senere av regissør Robert Mulligan. Med Gregory Peck i hovedrollen som Atticus Finch og Mary Badham som hans unge datter Scout – hvis perspektiv utgjør historiens primære synsvinkel – har Mulligans filmversjon blitt hyllet som en amerikansk klassiker i sin egen rett, som en øm og rørende studie av oppvekst i et miljø preget av fordommer. Gjennom Finchs uforglemmelige forsvarsmonolog (der Mulligans kamera klokt nok tar juryens perspektiv) har To Kill a Mockingbird gitt utallige generasjoner en instruksjon i å stå opp for det som er rett, selv når rettferdigheten er en mangelvare.
25. De levende dødes natt (1968)
(Bildekreditt: Criterion)
Før The Walking Dead hadde vi George Romeros Night of the Living Dead, som ikke bare introduserte zombier i den amerikanske popkulturens leksikon, men som uten tvil var den beste filmen i sjangeren. Handlingen utspiller seg på landsbygda i Pennsylvania, der sju overlevende forskanser seg i et gårdshus etter at horder av kjøttspisende lik plutselig har våknet til liv overalt. Night of the Living Dead skrev ikke bare dreieboken for alle zombieskrekkhistorier, men valget av den svarte skuespilleren Duane Jones (som hovedrolleinnehaveren Ben) var både revolusjonerende og politisk, og gjorde zombier til en dynamisk og flytende metafor for det mennesket anser som monstrøst i den hjerteskjærende slutten.
24. Apenes planet (1968)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
Franklin J. Schaffners filmversjon av Planet of the Apes, som er løst basert på Pierre Boulles roman fra 1963, har Charlton Heston i hovedrollen som en astronaut som lander på en fremmed planet der menneskeheten er primitiv og snakkende aper har tatt over som den mest intelligente arten. Selv om Planet of the Apes ga opphav til en franchise, er Schaffners originalfilm et ruvende stykke science fiction som både er teknisk spektakulær og åndelig forutsigbar. Så mange år senere er Planet of the Apes fortsatt en kraftfull advarsel mot menneskehetens arrogante syn på sin plass i næringskjeden.
23. Den manchuriske kandidat (1962)
(Bildekreditt: United Artists)
Denne mørke, psykologiske thrilleren av John Frankenheimer, basert på Richard Condons roman, er en av den kalde krigens viktigste filmer som utnyttet tidens utbredte paranoia over fiender som lurte innenfra. Filmen, som kom ut bare ett år før mordet på JFK, følger en veteran fra Koreakrigen, Raymond Shaw (Laurence Harvey), som uvitende blir hjernevasket av kommunister og sendt tilbake til USA for å drepe en presidentkandidat. Med Frank Sinatra, Janet Leigh og Angela Lansbury i hovedrollene satte denne formative spionthrilleren med sine mange politiske intriger og konspirasjoner standarden for alle senere spionthrillere. Dens innovasjoner i sjangeren kan fortsatt ses i moderne filmer av samme type, fra The Bourne Identity til Captain America: The Winter Soldier. En like formidabel moderne nyinnspilling kom i 2004, med Denzel Washington, Liev Schrieber og Meryl Streep i hovedrollene.
22. Barfot i parken (1967)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
Jane Fonda og Robert Redford har aldri vært morsommere eller mer sexy enn som et nygift par som kommer ned fra hvetebrødsdagene og må forholde seg til virkelighetens humor. Etter å ha flyttet inn i en fem etasjer høy leilighet på Manhattan, lærer den frisinnede Corie (en delirisk Fonda) og den noe mer anspente Paul (Redford, med skarp komisk timing) hva det faktisk betyr å ha og å holde når de første månedene sammen ikke blir som noen av dem hadde forestilt seg. Selv om handlingen er lett som en fjær, holder filmen – basert på Neil Simons skuespill og regissert av Gene Saks – takket være den strålende karismaen til de kjekke skuespillerne.
21. Mary Poppins (1964)
(Bildekreditt: Disney)
En av Disneys største suksesser kom på 1960-tallet, med Julie Andrews og Dick Van Dyke som danser og synger om fordelene ved å leve et mer engasjert familieliv. I det edwardianske London flyr en magisk kvinne ned fra himmelen for å svare på Banks-barnas etterlysning av «den perfekte barnepiken». Hun er Mary Poppins (Andrews), et mystisk vesen som er både mild og bestemt, og akkurat den skjeen med sukker familien Banks trenger for å bli hel igjen. Mary Poppins er en av Disneys mest ikoniske og vellykkede live action-filmer noensinne, og det med god grunn. Hva annet er det å si enn: «Supercalifragilisticexpialidocious!»
20. Tokyo Drifter (1966)
(Bildekreditt: Nikkatsu)
Seijun Suzukis hyllest til revolverfilmer kommer i form av den utrolig stilige gangsterfilmen Tokyo Drifter, som handler om den reformerte leiemorderen Tetsu (Tesuya Watari) som havner midt mellom rivaliserende gjenger som prøver å konsolidere makten. Suzuki, som er kjent for sin eksentriske visuelle stil, ble først tvunget av studioet til å tone ned følsomheten på lerretet; studioet ga ham et lite budsjett for å sikre at Suzuki holdt seg innenfor rammene. Som gjengjeldelse hentet Suzuki inspirasjon fra 1950-tallets musikalfilmer, absurde komedier og den fremvoksende popkunstscenen for å skape sin hittil mest surrealistiske film. Denne filosofien om opprør som erklæring siver gjennom Tokyo Drifters porer, og den beherskede maksimalismen i rammene skaper en opplevelse der du ikke kan glemme hvordan det føles selv om du ikke skjønner hva som foregår.
19. Butch Cassidy og Sundance Kid (1969)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
I Georgy Roy Hills westernklassiker, skrevet av William Goldman, spiller Paul Newman og Robert Redford filmhistoriens kuleste og mest urørlige lovløse på desperat flukt til Bolivia. Overlever de? Svaret på det er mindre interessant enn den innholdsrike og spennende reisen Butch Cassidy (Newman) og Harry Longabaugh, også kjent som «Sundance Kid» (Redford), begir seg ut på i løpet av filmen, som forbryterpartnere med tette bånd som gjør dem til skytshelgener for brorskap og bromance. Selv om Butch Cassidy and the Sundance Kid var upopulær da den kom ut, har den vunnet respekt som en film som vitner om at den største belønningen ikke er rikdommen du stikker av med, men opplevelsene du kan samle sammen med dem som betyr mest.
18. En hard dags natt (1964)
(Bildekreditt: United Artists)
Alle musikkvideoer, rockestjernedokumentarer, konsertfilmer og TikTok-ruller står i gjeld til A Hard Day’s Night. Richard Lesters film er et kaleidoskop av komedie og musikk, full av raske klipp og håndholdt hysteri, og fanger The Beatles på toppen av Beatlemania. Men i stedet for å være en overbærende, selvhøytidelig dokumentar om berømmelsens drama og tretthet, viser A Hard Day’s Night hvordan Liverpool-rockerne lager bråk overalt hvor de går – uten en eneste ekte historie i sikte. A Hard Day’s Night er mindre Taylor Swift: The Eras Tour og mer fransk nybølge i sin frilynte rampestreker og oppfinnsomhet, fra å plage intervjuere med Marx Brothers-lignende rutiner til å unnslippe skrikende fans som beveger seg som vepsesvermer.
17. Fuglene (1963)
(Bildekreditt: Universal Pictures)
Etter Alfred Hitchcock så vi aldri fugleflokker på samme måte igjen. I denne ikoniske skrekkfilmen fra 1963, basert på en novelle av Daphne du Maurier fra 1952 og løst inspirert av et uvanlig masseangrep på fugler i byen Capitola i California to år tidligere, terroriserer aggressive fugler innbyggerne i en søvnig by. Selv om drepende kråker og duer kan høres banalt ut på papiret, leverer en filmskapende suverenitet som Hitchcock en iskald skrekkklassiker der naturen fortsatt opprettholder sin dominans, uansett menneskets vitenskapelige fremskritt. Med sin mesterlige bruk av stillhet og de tidlige spesialeffektene vil The Birds aldri slutte å få oss til å fly – og til å søke dekning.
16. The Graduate (1967)
(Bildekreditt: Embassy Pictures)
Mike Nichols’ romantiske dramakomedie, en tidlig uavhengig filmsuksess, fanget på mesterlig vis 60-tallets rastløse ungdomsånd i historien om en nyutdannet student (Dustin Hoffman) som innleder en affære med en eldre kvinne (Anne Bancroft) samtidig som han faller for datteren hennes Elaine (Katharine Ross). Det var en genistrek av Nichols å få til den uforglemmelige slutten, der de to turtelduene langsomt innser det knusende omfanget av sine handlinger. Ved rett og slett ikke å fortelle skuespillerne hva de skal gjøre etter at de har satt seg på bussen, speiler den fysiske trettheten deres den åndelige ambivalensen. Når både Hoffman og Ross slutter å smile i løpet av en forbløffende lang tagning, avslører deres slitsomme ansiktsuttrykk karakterenes usikkerhet på om kjærligheten er sterk nok til å vare.
15. Cool Hand Luke (1967)
(Bildekreditt: Warner Bros.)
Regissør Stuart Rosenbergs Cool Hand Luke er en av mange ikoniske amerikanske filmer som står for motkulturell trass under Vietnamkrigen, med Paul Newman i hovedrollen som en fange i Florida som nekter å la lenkene holde ham nede. Filmen er skrevet av Donn Pearce, som selv har en kriminell bakgrunn og to år i kjedegjengene i Floridas fengselsvesen, noe som inspirerte både romanen og filmen. Cool Hand Luke er inspirerende og medrivende, og er praktisk talt en instruksjonsvideo i hvordan du kan beholde fatningen og overliste alle andre på et fiendtlig sted som ønsker å se deg falle død om.
14. Den gode, den onde og den stygge (1966)
(Bildekreditt: MGM)
Sergio Leone brukte 1960-tallet til å definere den italienskproduserte westernfilmen med sin Dollars-trilogi, som følger de nomadiske utskeielsene til Mannen uten navn (Clint Eastwood). I den siste filmen etter A Fistful of Dollars (1964) og For a Few Dollars More (1965) følger Leone tre revolvermenn – spilt av Eastwood, Eli Wallach og Lee Van Cleef – som kjemper om å finne nedgravd konføderasjonsgull under den amerikanske borgerkrigen. Selv om det er delte meninger om hvilken av de tre filmene i trilogien som er best, er The Good, the Bad and the Ugly rett og slett for episk til å ignorere, og den er uten tvil den mest symbolske av alle spaghettiwesterns. Actionfilmskapere har i flere tiår latt seg inspirere av Leones evigvarende mesterverk, med sin minneverdige kinematografi og operaaktige vold.
13. Rosemarys baby (1968)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
Det er en mager trøst at man aldri ser babyens ansikt. I Roman Polanskis psykologiske skrekkfilm spiller Mia Farrow en ung kone på Manhattan som mistenker at naboene er ute etter at hun skal føde noe uhellig. Polanskis film – som også har John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans og Charles Grodin på rollelisten i sin filmdebut – er en brennende og ultramørk thriller om en kvinnes tap av handlekraft (sørgelig ironisk når det kommer fra Polanski) og om hvordan det 20. århundrets samfunnsmarsj mot sekularisering kan bli menneskehetens undergang. Rosemary’s Baby var i forkant, ettersom hysteriet rundt satanistiske kulter raskt skulle ta en dominerende plass i avisoverskriftene utover 1970- og 1980-tallet.
12. Lawrence av Arabia (1962)
(Bildekreditt: Columbia Pictures)
Kan noens liv være så episk at det blir en av de største eventyrfilmene som noensinne er laget? 1900-tallets britiske arkeolog, offiser og forfatter T. E. Lawrence levde tilsynelatende et slikt liv som ble til David Leans Lawrence of Arabia. Med Peter O’Toole i hovedrollen, som på den tiden var en ukjent skuespiller, men som Lean likte (fra filmen The Day They Robbed the Bank of England fra 1960), følger filmen Lawrence gjennom det osmanske riket under første verdenskrig. Filmen utforsker Lawrence’ vanskeligheter med å forsone seg med volden og hans splittede lojalitet mellom Storbritannia og hans nyvunne allierte i de arabiske styrkene. Lawrence of Arabia er en spektakulær blockbuster i en tid da det ikke ble laget mange av dem, og galopperer med en voldsomhet og eventyrlyst som ikke vil bli sett før Raiders of the Lost Ark nesten 20 år senere.
11. Høyt og lavt (1963)
(Bildekreditt: Toho)
Akira Kurosawa er med god grunn kjent som en regissør av evigvarende samuraiepos. Men selv når han går på tvers av sine egne linjer, beholder den berømte kunstneren alle sine beste trekk, som hans teatralske formalitet og viljesterke karakterer som kjemper mot undertrykkende krefter. Her er Kurosawas drivende, fint komponerte krimdrama fra 1963, High and Low. Basert på romanen King’s Ransom av Ed McBain får en velstående direktør (Toshiro Mifune) vite at sønnen hans er kidnappet og holdes fanget med krav om løsepenger, noe som setter i gang en svett, fremadstormende handling der tiden er avgjørende. Kurosawa bytter ut samurai-rustningen med skarpe skjorter og slips, og grubler over Japans oppblomstring etter krigen. Rundt seg så regissøren hvordan det japanske samfunnet raskt utviklet seg i moderne retning. Men til hvilken pris?
10. From Russia With Love (1963)
(Bildekreditt: United Artists)
Regissør Terence Young og skuespiller Sean Connery gjenforenes i From Russia With Love, en James Bond-oppfølger som overgår selv den viktige forgjengeren Dr. No, denne gangen for å fortelle historien om Bond som hjelper en vakker sovjetisk avhopper (Daniela Bianchi) med å unnslippe SPECTREs klør. Med MI6s største spion midt i den kalde krigens spenninger holder From Russia With Love høy klasse som en av de beste Bond-oppfølgerne som noensinne er laget, og er en gritty, sexy og spennende blockbuster på én gang. Det hjelper også at filmen understrekes av en av tidenes beste Bond-sanger, sunget av crooneren Matt Monro.
9. Pierrot le Fou (1965)
(Bildekreditering: SociÉtÉ Nouvelle de CinÉmatographie (SNC))
Jean-Luc Godard brukte 1960-tallet til å hevde sin plass i den franske nybølgen med filmer som Åndeløs (1960), Vivre sa vie (1962) og Band of Outsiders (1964). Men Godards storhetstid kom i 1965 med Pierrot le Fou, en levende og fargerik eksperimentell roadmovie om en mann (Jean-Paul Belmondo) som stikker av med sitt barns barnevakt og eks-elskerinne (Anna Karina) for å legge deres mondæne verden bak seg. Pierrot le Fou er et popkunst-monument fylt av sensualitet, dødsdømt romantikk og rester av en nedrevet fjerde vegg, og ikke bare bekreftet Godards auteurstatus, men forgylte den også.
8. Frokost på Tiffany’s (1961)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
Audrey Hepburn befestet ikke bare sin stjernestatus med regissør Blake Edwards’ Breakfast at Tiffany’s, hun garanterte henne udødelighet. I denne gigantiske romantiske komedien spiller Hepburn Holly Golightly, en eksentrisk sosietetsdame som forelsker seg i en forfatter (George Peppard). Bortsett fra Mickey Rooneys rasistiske skildring av en japansk nabo, er Breakfast at Tiffany’s en sprudlende og elegant film som tar kjærligheten i hjertet ditt og kler den opp i moderne klær. Hepburns utseende som Holly er fortsatt allestedsnærværende som et symbol på tidløs skjønnhet, og det er vanskelig å argumentere for hvorfor. Ett blikk fra henne inn i Edwards’ kameralinse, og vi er alle på høykant.
7. La Dolce Vita (1960)
(Bildekreditt: Columbia Pictures)
Frederico Fellinis navn er synonymt med god italiensk film, og La Dolce Vita er en av hans mest varige suksesser. Filmen følger en kjendisjournalist (spilt av en ultrakul Marcello Mastroianni, som oser av svulstighet i hvert eneste bilde) som tilbringer en febrilsk uke i Roma – en eldgammel by oversvømmet av glitter og glamour – på jakt etter noe rent. Med sin unike plotstruktur og bitende humor nyter La Dolce Vita dekadensen i en velstående etterkrigssivilisasjon, samtidig som den forutser samfunnets forgiftning av berømmelsens giftstoffer.
6. Den ville gjengen (1969)
(Bildekreditt: Warner Bros.)
Sam Peckinpah ga westernfilmen sitt siste hurra med The Wild Bunch, en film om aldrende lovløse som strever med å tilpasse seg det moderne 1900-tallet, og som dør i et flammehav av ære. Selv om westernfilmene ikke er helt utdødd, hadde sjangeren falt i unåde på 1960-tallet, og den har aldri siden gjenvunnet sin popularitet. Dette gjør at bombardementet av kruttsmell og kulerikkochetter som underbygger Peckinpahs eksplosive finale i Agua Verde, føles som et fyrverkeri til minne om de utallige heltene med hvite hatter og skurkene med svarte hatter som har prydet filmlerretet siden Hollywoods begynnelse. Etter The Wild Bunch red westernfilmene inn i solnedgangen, og de har aldri sett seg tilbake.
5. 8 ½ (1963)
(Bildekreditt: Columbia Pictures)
Den italienske filmskaperen Frederico Fellini vendte som kjent kameraet litt mot seg selv i sin film om kampen for å opprettholde forfatterskap og individualitet i et felt som er gjenstand for offentlig granskning. I Fellinis åttende film (derav tittelen) spiller skuespilleren Marcello Mastroianni hovedrollen som Guido Anselmi, en regissør som desperat prøver å bevare sin identitet gjennom den strenge, selvutslettende prosessen det er å lede en science fiction-film med stort budsjett. Samtidig tenker Guido på de forskjellige kvinnene i livet sitt. 8 ½ er en surrealistisk metasvart komedie som visker ut grensene for hva som er kayfabe, og regnes med rette som en av de beste filmene om å lage film som noensinne er laget.
4. West Side Story (1961)
(Bildekreditt: United Artists)
Hvordan løser man et problem som Maria? I denne moderniserte Romeo og Julie, som utspiller seg i New Yorks rasialiserte gategjenger, spiller Natalie Wood og Richard Beymer et kjærlighetspar som forelsker seg i hverandre mens de står på hver sin side av en territoriekrig. Originalversjonen fra 1961 – regissert av Robert Wise og Jerome Robbins – er en musikalromantikk av de sjeldne, og den behandler lerretet som en scene, med kompleks koreografi, levende fargepaletter og dynamiske kamerabevegelser som har påvirket folk som Michael Bay (som lovpriste filmen i et intervju med New York Times i 2001) og Steven Spielberg, som regisserte sin egen nyinnspilling i 2021. Når du ser West Side Story, er du fan for livet, helt fra din første sigarett til din siste dødsdag.
3. Øyne uten ansikt (1960)
(Bildekreditt: Lux Compagnie CinÉmatographique de France)
Georges Franjus banebrytende skrekkfilm Eyes Without a Face fra 1960 er eldre enn de fleste slasherfilmene, men den opprivende historien og den brutale volden satte standarden som senere ble opprettholdt av sjangermestere som John Carpenter og Wes Craven. Likevel skiller Eyes Without a Face seg fra alle andre skrekkfilmer du har sett, og er like poetisk som den er grusom. Filmen følger en anerkjent plastikkirurg (spilt av Pierre Brasseur) som snører vakre unge kvinner for å skjære i kjøttet deres og reparere datterens tragiske vanskapning. Édith Scob spiller også doktorens datter, som ikler seg en spøkelsesaktig hvit maske som minner om fremtidige ikoner som Michael Myers og Jason Voorhees. Her er det vakre og det grusomme usannsynlige cellekamerater.
2. 2001: En odyssé i verdensrommet (1968)
(Bildekreditt: MGM)
Ingen film definerer 1960-tallet og føles likevel så uaktuell som Stanley Kubricks 2001: A Space Odyssey. Kubrick fulgte opp to megaklassikere, Lolita (1962) og Dr. Strangelove (1964), og skuet mot stjernene med dette majestetiske science fiction-eposet som er en bearbeidelse av Arthur C. Clarkes novelle «The Sentinel». Omfanget av 2001 er enormt, og filmen spenner bokstavelig talt over eoner fra menneskehetens primatopprinnelse til, som Kubrick forutser, vår sofistikerte utvikling som en romfarende art. Men uansett hvor langt fremskrittene tar oss, er mennesket fortsatt utsatt for uforklarlig vold. Så på Discovery Ones reise til Jupiter har den kunstige intelligensen HAL 9000 noen andre ideer om overlevelse enn det dens kjøttsekk-herrer liker. 2001: A Space Odyssey var vakkert komponert og illevarslende på en overjordisk måte, og med bare et snev av svart monolittisk monolittisme tok filmen et stort steg fremover.
2001: A Space Odyssey£7,99 på Amazon£8,19 på Hit£9,69 på Hive Books
1. Psycho (1960)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
Med den vakre Janet Leigh, en flaske Hershey’s sjokoladesirup og et pulserende strykerstykke av Bernard Herrmann skapte Alfred Hitchcock et filmatisk mesterverk som så dypt inn i psyken vår og avdekket det som skremte oss alle. Hitchcocks mest gjenkjennelige film, som er overfylt med røde sild, svart komisk ironi og en symbolikk som kunne fylt en forelesning om freudiansk psykoanalyse, står igjen som en imponerende gigant som omdefinerte den kommersielle filmens akseptabilitet for smak og fornyet konvensjonene for den moderne skrekkfilmen. Historien, som er basert på Robert Blochs bok med samme navn, utspiller seg først og fremst på det uhyggelige Bates Motel, som ledes av den eksentriske innehaveren Norman Bates (Anthony Perkins), som skjuler en mørk hemmelighet. Psycho har forståelig nok gitt opphav til en franchise som inkluderer den populære TV-serien Bates Motel, men Psycho står sterkt alene som en film som forandret alt.