Siden lanseringen av den banebrytende suksessen Toy Story i 1995 har Pixar vært kjent som et mektig animasjonsstudio med en unik form for historiefortelling av høy kvalitet. Men hvilke øyeblikk fra Pixars filmer er egentlig uforglemmelige?
Selv om Pixar som kjent er en del av Disney-imperiet, er filmene deres ikoniske nok til å stå på egne ben. Enten historiene handler om kranglete leker, fisk på reise, monstre som skremmer barn som en 9-til-5-jobb eller tenåringsjenter med en eldgammel familieforbannelse, er en Pixar-film en invitasjon som garantert er både magisk, morsom og rørende.
Med så mange filmer følger spesifikke filmøyeblikk som kanskje bare varer noen minutter, kanskje til og med noen sekunder, men som er sterke nok til å bli husket resten av livet. Her er 32 av de største øyeblikkene fra Pixars kinofilmer.
32. den lange hjemturen (Wall-E)
(Bildekreditt: Disney)
Wall-E er en ruvende moderne klassiker, en ekspansiv sci-fi-romantikk om en overarbeidet robot som får i oppgave å rydde opp på en futuristisk jordklode. Filmen starter på en opprivende måte, noe som er overraskende for en Disney-film. Under Wall-Es lange reise hjemover legger det seg en snikende skrekk over hva som har skjedd med planeten vår – utbrent, full av søppel, tom for liv og overtatt av et enkelt megaselskap som et virus. Som Wall-E illevarslende antyder, forlot menneskene planeten for lenge siden og etterlot seg en hær av roboter som skulle rydde opp. Men de er blitt færre og færre, og alt som er igjen er en enkelt, ensom enhet. Wall-E ender til slutt i en oppløftende tone, men åpningen er full av mørke over menneskehetens hang til selvdestruksjon.
31. Møte med Manticore (videre)
(Bildekreditt: Disney)
I Onward, Pixars hyllest til fantasy-epos og rollespill som Dungeons & Dragons, forbereder brødrene Ian (Tom Holland) og Barley (Chris Pratt) seg på å møte The Manticore, et eldgammelt ondt beist som ifølge legenden kan lede dem i riktig retning – hvis de overlever. Det herlige er at i denne verdenen, der moderniteten har overskygget magien, har til og med Manticore (med Octavia Spencers stemme) mistet grepet, og tavernaen hennes er nå en familierestaurant i en forstad. Ingen andre øyeblikk i Onward utkrystalliserer det smarte premisset bedre enn denne scenen, der de eneste farene er frekke utdrikningslag og sene matbestillinger.
30. utdrikningslaget: bueskyting (Modig)
(Bildekreditt: Disney)
Brave utspiller seg i middelalderens Skottland og forteller historien om Merida, prinsessen til klanen Dunbroch, som nekter å følge kjønnstradisjonene og i stedet lengter etter eventyr. Et stykke ut i filmen blir Merida tvunget inn i rampelyset når Skottlands ikke så flinke bueskyttere konkurrerer om hennes hånd. I en scene som minner om Mel Brooks’ komedier, viser ingen av de vordende frierne tilstrekkelige ferdigheter til å imponere selv vanlige folk, for ikke å snakke om prinsessen. Heldigvis kan Merida skyte med bue like lett som hun puster, og hun gjør narr av alle – til morens, dronningens, store fortvilelse.
29. Fliks tabbe/Hoppers vrede (Et insekts liv)
(Bildekreditt: Disney)
Tidlig i Et insekts liv, Pixars andre film etter Toy Story, vender den klønete, men velmenende Flik tilbake til hjemkolonien sin før de ondskapsfulle gresshoppene kommer for å kreve fruktene av arbeidet sitt. Når Flik kaster den ustabile innretningen sin til side, ender det med at all maten velter utfor et stup. (Hvem var det som fant på å plassere alt det der?) Vi har alle en eller annen gang følt oss som Flik, rotet det til på jobben og gruet oss til konsekvensene.
Fliks tabbe går rett over i et annet iskaldt øyeblikk i hele Pixar: Introduksjonen av gresshoppene. Gresshoppene, som er karakterisert som en slem motorsykkelgjeng, tar utgangspunkt i Hopper (med Kevin Spaceys stemme), en karismatisk autokrat som ikke tenker seg om to ganger før han dingler et barn foran en vill håndlanger. Med Spaceys rørende opptreden som en av Disneys mest undervurderte skurker og den dundrende iscenesettelsen av gresshoppenes tvungne inntreden i kolonien, er hele denne scenen et under i hvordan man introduserer skurker uten å kaste bort et eneste sekund.
28. Fisk er venner, ikke mat (Finding Nemo)
(Bildekreditt: Disney)
I Finding Nemo leter en engstelig klovnefisk med lys og lykte over Stillehavet for å gjenforenes med sønnen Nemo, og på veien møter han en vill parade av fargerike skapninger. Blant dem: En trio haier, alle med ultratykk australsk aksent, som har lovet å aldri spise fisk igjen. Barn vil kanskje synes at det er morsomt at fryktinngytende haier er snille kjemper, men voksne kan ha sin egen latterkrampe over filmskapernes framkalling av et AA-møte. Det blir enda verre når Dorys neseblod gir den største haien Bruce en påminnelse om hvor velsmakende fisk er, noe som setter i gang en av de mest spennende scenene i hele filmen.
27. «You Got Me Monologuing!» (De utrolige)
(Bildekreditt: Disney)
Spoiler-advarsel hvis du ikke har sett De utrolige! Mot filmens store finale avslører skurken Syndrome (med Jason Lees stemme) seg som Buddy, som i ungdommen forgudet Mr. Incredible og til og med prøvde å bli hans sidekick. Men da Mr. Incredible avviste ham, skapte det hat i Buddy, som begynte på en ny livsoppgave: å drepe alle superhelter og bli superhelt selv, og til slutt selge formelen sin slik at hele verden kan få superkrefter. Syndromes store skurketale er et øyeblikk som er vanskelig å glemme, et øyeblikk som til fulle nyter klisjeene i superhelt- og spionfiksjon, samtidig som den leker med dem på forfriskende måter.
26. «Jeg er Lynet» (Biler)
(Bildekreditt: Disney)
Introduksjonen av Lynet McQueen i Biler er noe for seg selv. En spennende, lengre sekvens som ikke bare viser Lynets unaturlige talenter på racerbanen, men også hans overdimensjonerte arroganse som gjør ham nesten mer til en antihelt enn en hovedperson. I denne alternative virkeligheten, der biler og andre kjøretøyer er levende, er Lynet en nybakt superstjerne som nettopp er på vei inn i karrierens høydepunkt når han ydmykt lærer verdien av å jobbe som et team. Med en følelse av halsbrekkende fart og en fantastisk visuell detaljrikdom – bare se hvordan lyset reflekteres i Lynets ildrøde lakk – er det ingen film som gir så mye gass som Biler.
25. Remy fikser suppen (Ratatouille)
(Bildekreditt: Disney)
I Ratatouille låner komikeren Patton Oswalt ut sine talenter i rollen som Remy, en matkjenner som tilfeldigvis også er en rotte. Når Remy ankommer Paris og befinner seg på kjøkkenet i restauranten til sitt avdøde idol, blir han skrekkslagen når en simpel søppelgutt, Alfredo Linguini, roter til en kokende suppe. Remy utsetter sin egen rene flukt for å fikse Alfredos rot, og det blir starten på noen fortryllende minutter der Remy er overlykkelig over endelig å være i sitt rette element. Ved hjelp av nydelig animasjon og herlig kunstdesign er dette tidlige øyeblikket der Remy og Alfredo innleder vennskapet sitt, nok et uforglemmelig filmøyeblikk fra Pixar.
24. Nemo på Mount Wannahockaloogie (Finding Nemo)
(Bildekreditt: Disney)
Mens Marlin leter overalt etter Nemo, befinner den lille fyren seg i godt selskap med andre fisk som sitter fast i en tannlegetank. Mens de planlegger flukten, ønsker de Nemo velkommen som en av sine egne, blant annet med en sjarmerende og morsom seremoni på toppen av «Mount Wannahockaloogie» (akvariets dekorative, falske fjell) der Nemo får sitt nye navn: Shark Bait. (Hooh-ah-ah!) I tillegg til at det er latterlig lekent, er det rett og slett så sjarmerende at disse gråhårede fiskene, ledet av den skremmende Gill (med stemme av Willem Defoe), påtar seg å passe på Nemo til han kan gjenforenes med faren sin.
23. Joes løfte (Soul)
(Bildekreditt: Disney)
Verden tok en opprivende vending i 2020 da covid-19-pandemien forstyrret hverdagen og en utbredt dysterhet tok overhånd. På slutten av dette vanskelige året kom Pixars nyeste film, Soul, en metafysisk og filosofisk animasjonskomedie om jazzmusikeren Joe (Jamie Foxx) som får sjelen sin løsrevet fra kroppen. Etter at Joe har lært at livet ikke handler om suksess, men om å leve det fullt ut, får han beskjed av den allmektige Jerry (Alice Braga) om at han får lov til å vende tilbake til jorden. I filmens siste bilde skinner morgensolen på Joe, som går ut av ytterdøren og lover å leve hvert minutt fra nå av. Slutten på Soul er uten tvil en av de mest bekreftende avslutningene i Pixars historie, fordi den på en varm måte bekrefter at hvert øyeblikk vi har, er en gave. Midt i karantene og fortvilelse minner Soul oss på hva det å leve virkelig betyr.
22. Hoppers undergang (Et insekts liv)
(Bildekreditt: Disney)
I klimakset i Et insekts liv setter et tordenvær stemningen der de små maurene kjemper for seg selv mot de imponerende gresshoppene. Kampen står mellom Flik og Hopper, og Fliks planlegging lønner seg da en fugl dukker opp fra ingensteds og brutalt mater Hopper til ungene sine. Filmen slår tidlig fast at gresshoppene har sine egne rovdyr i form av gigantiske fugler, som på en uhyggelig måte oppfører seg som dyr som handler ut fra rent instinkt. (Dette står i sterk kontrast til insektene, som ikke bare snakker, men også ser ut til å være i stand til å finne på ting, resitere Shakespeare og til og med danne styresett). Når det gjelder dødsscener med skurker i barnefilmer, er A Bug’s Life sterkt suggererende i sin brutalitet. Det er ikke et mord som begås her, det er bare naturen.
21. Dør til dør til dør til dør (Monsters Inc.)
(Bildekreditt: Disney)
Verdenen i Monsters Inc. har et komplekst system av magiske dører som kan åpnes til et hvilket som helst soverom hvor som helst i verden. Det er derfor passende at filmens actionfylte klimaks utspiller seg rundt disse dørene. Dette kan faktisk være den største kulissene som noen gang er laget i en Pixar-film, i hvert fall når det gjelder geografisk omfang; figurene suser rundt overalt fra Paris til Japan og Louisiana (der skurken Randall er strandet). Men det meste finner sted i Monsters Inc.s hovedkvarter, og de skremmende høydene og den lynraske farten til de dinglende dørene er en åpenbar grunn til at figurene må holde seg i nærheten og holde seg fast.
20. Woodys restaurering (Toy Story 2)
(Bildekreditt: Disney)
Det har aldri vært et mer sensuelt øyeblikk i en Pixar-film noensinne. Etter at Woody blir stjålet av den grådige leketøysbutikkeieren Al (Wayne Knight) til samlingen sin – og senere solgt på auksjon til Japan – engasjerer Al en ekspert ved navn «The Cleaner» (med stemme av Bob Peterson) til å restaurere Woody tilbake til sin opprinnelige tilstand. Pixars status som et teknisk banebrytende studio kommer til sin fulle rett her, og teksturene i plast, maling, bomull, glass og annet spretter rett og slett ut av skjermen. Det er selvsagt hjerteskjærende å se Andys navn malt over, men det er noe med denne scenen som føles så tilfredsstillende. (Fun fact: Karaktermodellen til The Cleaner ble resirkulert fra Geri, en eksentrisk gammel mann som spiller sjakk i Pixar-kortfilmen Geri’s Game fra 1997).
19. Møte med Russell (Opp)
(Bildekreditt: Disney)
Ikke lenge etter at Opp har etterlatt seg et gråtende publikum, blir stemningen lettere og luftigere når Russell, med stemme av den daværende barneskuespilleren Jordan Nagai, ankommer Carls dørstokk. Med sin bedårende avrundede design, sin umiddelbare entusiasme (som sannsynligvis skjuler smerten over at faren forlot ham) og sin innbitte stahet for å få sitt siste fortjenestemerke, vant Russel øyeblikkelig en plass i hjertene våre med sin bokstavelige nærlesning av speiderhåndboken. All honnør til filmens animasjonsteam for å få Russel til å oppføre seg så elskverdig, selv når han klamrer seg fast til Carls veranda for harde livet.
18. Alfa Bravo etablerer posisjon (Toy Story)
(Bildekreditt: Disney)
Når alle Andys leker får panikk på grunn av Andys bursdagsfest – som de frykter kan bli deres førtidspensjonering, siden bursdager betyr nye leker – sender Woody ut en tropp med grønne soldater som etablerer en rekognoseringsposisjon i et dekorativt anlegg. Scenen er ikke bare latterlig morsom og kløktig, men også grunnleggende for hvordan den permanent setter forventningene til Pixars filmstil. Pixars filmer handler aldri bare om leker, insekter eller superhelter. Faktisk bruker de karakterene sine sammen med kjente filmkonvensjoner (i dette tilfellet en krigsfilm) for å skape noe helt nytt.
17. På den østaustralske strømmen (Finding Nemo)
(Bildekreditt: Disney)
Midtveis i Marlins og Dorys reise for å finne Nemo får de to lift på ryggen til Crush, en 150 år gammel havskilpadde, for å ri langs Stillehavets mest rørformede undersjøiske motorvei. Ikke bare er Crush en latterlig avslappet fyr som snakker som en surfer fra Venice Beach, men den østaustralske strømmen er et visuelt underverk som får oss til å ønske at vi alle kunne være fisk og svømme i dens vakuumlignende hastighet. Scenen spiller også en viktig rolle for Marlin, som lærer at oppdragelse ikke alltid handler om å beskytte barna sine, men om å stole på at de klarer seg.
16. Elastigirls nye karusell (De utrolige 2)
(Bildekreditt: Disney)
I oppfølgeren til De utrolige fra 2018 blir Elastigirl kastet inn i rampelyset for å bidra til å rette opp det offentlige bildet av superhelter. I en oppfinnsom forfølgelsesscene som oser av Pixars karakteristiske kreativitet, kjører Elastigirl av gårde i en splitter ny, spesialtilpasset motorsykkel som utnytter kreftene hennes ved å kunne dele seg i to. Se nøye på hvordan filmskaperne bruker fysikk fra den virkelige verden til å skape en scene som føles så jordnær til tross for at den er så umulig. Kombinert med Michael Giacchinos pulserende spioninspirerte musikk, opprettholder scenen Pixars status som noen av de mest geniale animasjonsfilmskaperne som finnes.
15. Til himmels! (Opp)
(Bildekreditt: Disney)
Det spiller ingen rolle hvor mye den spytter fysikken i ansiktet. Når Carls hjem tar av og flyr av gårde med tusenvis av fargerike heliumballonger, blir Opp mer enn en film om en sta gammel mann som holder fast på eiendelene sine. Det blir et eventyr der Carl lærer hva det faktisk betyr å hedre minnet om sin kjære, avdøde kone Ellie. Nest etter Toy Story har Opp kanskje den mest distinkte visuelle ikonografien i hele Pixars filmografi, og den visuelle metaforen om et flyvende hjem er virkelig uforglemmelig.
14. Et snev av action (De utrolige)
(Bildekreditt: Disney)
Mange superheltfilmer har figurer som løper i superfart, men få av dem kan måle seg med spenningen i Dash’ store actionsekvens i De utrolige. I stedet for å bremse tiden eller bli pakket inn i tullete VFX, er Dash i bunn og grunn bare en sportsbil på to bein, noe som gir scenen en nødvendig følelse av tyngde og tyngde som andre filmer med superfart ikke tar hensyn til. Takket være den krystallklare regien, actionrytmen og den smarte undergravingen av forventningene, er Dashs triumferende øyeblikk nok til å gi oss alle et behov for fart.
13. Buzz’ fortvilelse (Toy Story)
(Bildekreditt: Disney)
Etter å ha tilbrakt mesteparten av Toy Story i den tro at han er en ekte Space Ranger, får Buzz Lightyear på den hardest tenkelige måten vite hva han egentlig er: en leke. Et forsøk på å bevise noe annet for seg selv (TV-reklamer, for pokker!) ender forutsigbart nok i katastrofe, og Buzz faller bokstavelig talt til bunns. Scenen er nok et eksempel på at Pixar er så rørende i sin historiefortelling, selv med uvirkelige karakterer. Buzz Lightyear er kanskje en plastklump, men i dette øyeblikket føler du virkelig smerten i sjelen hans.
12. Farvel til Boo (Monsters Inc.)
(Bildekreditt: Disney)
Etter å ha knyttet seg til menneskebarnet Boo (med stemme av den daværende barneskuespilleren Mary Gibbs), tar det store blå monsteret og stjernen i Monsters Inc., Sully (John Goodman), farvel med henne i nok et eksempel på at Pixar vet nøyaktig hvordan de skal knuse og knuse hjertene våre på de riktige måtene. Da Boo åpner skapdøren på soverommet og ikke finner favorittmonsteret sitt der, skjønte vi at Monsters Inc. var noe for seg selv.
11. «Ingen kapper!» (De utrolige)
(Bildekreditt: Disney)
De utrolige er en stilig film, på mer enn én måte. På overflaten er den en elegant hyllest til tegneserienes og spy-fi-medienes sølvalder. Men karakterene i filmen har bare drypp takket være motedesigneren og kostymesnekkeren Edna Mode, som du kanskje blir overrasket over å høre at regissør Brad Bird har lagt stemme til. Edna Mode er en blanding av Anna Wintour og Q fra James Bond, og hennes introduksjon viser henne som en kvinne med god smak og høye krav, ikke bare på grunn av arroganse. Legg merke til hennes strenge forbud mot kapper, noe som illustreres gjennom en overraskende grusom montasje av døde superhelter. Edna bebreider tydeligvis seg selv for disse feilene, selv om hun insisterer på at hun aldri ser tilbake på fortiden.
10. Miguel ser de dødes land (Coco)
(Bildekreditt: Disney)
Musikalsuksessen Coco fra 2017 er en blendende utforskning av meksikansk folklore, og det finnes ikke noe øyeblikk som uttrykker filmens ærbødige ånd bedre enn når Miguel, en levende gutt, ved et uhell nærmer seg De dødes land. Men i stedet for å være et sted preget av frykt og redsel, er dødsriket en vakker metropol full av lys, musikk og kjærlighet. Miguel hviler på knasende, glødende oransje kronblader og blir målløs over hvor majestetisk de dødes land er. Det er vi også, mens filmens fantastiske syn og Michael Giacchinos rørende musikk når et crescendo som tar oss med storm.
9. Lære å trenge tristhet (Innsiden ut)
(Bildekreditt: Disney)
Innsiden ut bruker mesteparten av spilletiden på å gjøre Sadness (med Phyllis Smiths stemme) til litt av en plage. Hun kommer ofte i veien for de andre følelsene, som Joy, som får Riley til å fungere som den skal. Sadness innser selv at hun er i veien og prøver desperat å gjøre seg til overs. Men slutten av filmen slår til som et tonn murstein når den slår fast at det å være trist er like viktig som lykke, sinne, avsky og alt det andre som gjør den menneskelige erfaringen så rik. Det er kanskje ikke de største øyeblikkene våre, men det å være lei seg minner oss på akkurat de tingene som virkelig betyr noe for oss.
8. Å danse i verdensrommet (Wall-E)
(Bildekreditt: Disney)
Wall-E (filmen) kommer inn på et helt annet følelsesmessig plan når Wall-E og EVE gjenforenes og danser sammen i verdensrommet utenfor romskipet Axiom. I lang tid har Wall-E sett på en rå VHS-kassett med filmen Hello, Dolly! og håpet at han en dag skulle få noen å danse med. Endelig får Wall-E oppfylt drømmen sin i denne fortryllende romvalsen der Wall-E og EVE vokser sammen som et par. I hundrevis av år har Wall-E jobbet hardt mot umulige odds for å redde jorden. Nå får denne ydmyke helten for menneskeheten endelig leve ut sin villeste drøm.
7. Rottene tar over kjøkkenet/Egos nostalgi (Ratatouille)
(Bildekreditt: Disney)
Høydepunktet i Ratatouille er enten hjertevarmende eller skremmende, avhengig av om du jobber som helseinspektør. Etter at mesteparten av Gusteaus kjøkkenpersonale har sluttet på grunn av Linguinis uærlighet, kommer Remy og rotteklanen hans til unnsetning for å hjelpe til med å holde restauranten i gang, med Remy som koordinator. Det hele tilspisser seg når den hensynsløse matkritikeren Anton Ego tar en bit av ratatouille (den franske retten) og plutselig overmannes av nostalgi etter barndommen og morens matlaging. Samtidig som det er morsomt/skummelt å se rotter lage god mat, minner opptiningen av Egos kalde hjerte oss om at ingen kritikk er uten iboende fordommer, og at det er våre livserfaringer som former vår smak.
6. Woodys pensjonering (Toy Story 4)
(Bildekreditt: Disney)
Uansett hva du mener om Toy Story 4, er det ingen tvil om hvor vakkert den endte. Der Toy Story 3 slutter på en måte som antyder en ny begynnelse, ender Toy Story 4 med en utvetydig pensjonisttilværelse, der man legger skoene på hylla og nyter et liv helt fri fra det man pleide å være. Woodys avskjed med resten av lekene som han (og vi, publikum) har kjent så lenge, er øm og bittersøt, og den er spesielt opplyst i en varm rødbrun farge som gir en følelse av høst – en årstid med store forandringer. Aldri før har følelsen «You got a friend in me» føltes sterkere enn på slutten av den fjerde Toy Story.
5. Inn i ilden (Toy Story 3)
(Bildekreditt: Disney)
Et av de mørkeste øyeblikkene i Pixars filmhistorie inntreffer mot slutten av Toy Story 3 når Woody, Buzz, Jessie og resten havner i en søppelkomprimator og sakte nærmer seg en brennende undergang. For første gang i serien er det ingen, ikke engang den vanligvis så smarte og målbevisste Woody, som aner hvordan de skal komme seg ut av knipa. Mens den rasende brannen rykker nærmere, tar Andys dyrebare leker hverandre i hendene i en stille erkjennelse av at den eneste nåden i øyeblikket er at de går mot slutten sammen. Selvsagt blir de reddet i ellevte time av en svært hjelpsom gruppe romvesener, hvis nesten religiøse lovprisning av «The Claw» faktisk føles som en frelse. Men før de kom til unnsetning, overbeviste Toy Story 3 faktisk publikum om at den kom til å gjøre det utenkelige.
4. Å synge for mamma Coco (Coco)
(Bildekreditt: Disney)
Når Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt) synger «Remember Me» i Coco, er den full av instrumentering og bombast som forråder hvordan den egentlige komponisten, Miguels forfader Hector (Gael Garcia Bernal), hadde tenkt at den skulle høres ut: ømt. Det er derfor ikke overraskende at når Miguel synger den mykt for sin oldemor Coco, våkner hun plutselig opp og husker hvordan faren sang for henne. I denne følelsesladede filmen om minnets, musikkens og familiekjærlighetens overveldende kraft styrkes båndene på tvers av generasjoner når Miguel hjelper Mama Coco med å huske hvor mye faren betydde for henne.
3. «Da hun elsket meg» (Toy Story 2)
(Bildekreditt: Disney)
Mens navnet «Andy» betyr mye i Toy Story-verdenen, vekker navnet «Emily» mer kompliserte følelser av kjærlighetssorg og forlatthet. Når cowboyjenta Jessie forteller Woody om sin egen fortid med Emily, farger Sarah McLachlans vemodige stemme (som synger originalsangen «When She Loved Me») en solbeskinnet montasje av en liten jente som er så forelsket i sin elskede cowboydukke – helt til den dagen hun ikke lenger er det. Like sant som at solen går ned, blir også barn gamle og går raskt bort fra det som en gang ga dem glede. Det er ikke noe ondsinnet i at Emily donerer Jessie. Det handler bare om at leker og barndom er flyktige.
2. Wall-E møter EVE (Wall-E)
(Bildekreditt: Disney)
Wall-E er virkelig en mesterklasse i animasjon, og er en flerdimensjonal romanse der to karakterer knapt sier noe sammenhengende, men handlingene deres sier alt. Når Wall-E første gang møter den banebrytende EVE, som er på oppdrag for å finne spor etter vegetasjon på den nå øde jorden, blir helten vår helt betatt. Når det plutselig blir storm, søker de to ly i Wall-Es beskjedne, provisoriske hjem, der hans samling av pyntegjenstander gir EVE et glimt av en jord fra en svunnen tid. Når EVE brått går i dvale etter å ha samlet en liten plante, holder Wall-E håpløst og bedårende – og kanskje litt bisart – daten deres gående. Wall-E er en romanse som ikke ligner noe annet før eller siden, og gjør seg fortjent til respekt som en alarmerende aktivistisk sci-fi med hjerte.
1. Til uendeligheten og videre (Toy Story)
(Bildekreditt: Disney)
Se det for deg: Det er 1995. Et fancy studio som ingen har hørt om før, har nettopp sluppet en banebrytende film som er fullstendig datagenerert. Du kan ikke tro at tegneseriefigurer kan se slik ut. Dessuten er denne filmen om snakkende leker på en eller annen måte utrolig, så full av humor, personlighet og oppfinnsomhet. Og her er det, klimakset. Det som skjer, er at en haug med leker prøver å komme seg inn bak i en lastebil. Men historien som fortelles handler om lojalitet, kameratskap, kløkt og kjærlighet, alt sammen pakket inn i en gresk-lignende actionodyssé blandet med showmanship som i en Hollywood-blockbuster. Når Buzz Lightyear tar av sammen med Woody og brer ut vingene, går det bokstavelig talt av et fyrverkeri når Buzz manøvrerer for å holde høyden. Når Woody er forbløffet over at Buzz faktisk flyr, insisterer Buzz – som et tegn på at han har vokst – på at de bare faller, «med stil». Når Buzz og Woody lander i Andys eske, kommer også filmens avslutning. Lekene er tilbake i esken der de hører hjemme, men animasjon og film har aldri vært det samme siden.