I det første tiåret som var helt fritt for snevre innholdsrestriksjoner, men likevel plaget av mareritt om Vietnamkrigen, endret filmene seg for alltid på 1970-tallet. Men hvilke av dem er egentlig de beste?
Etter at utenlandske filmskapere hadde regjert på 1960-tallet, var en ny bevegelse, «New Hollywood», i full gang, med hjemlige Hollywood-regissører som utøvde mer kreativ kontroll over arbeidet sitt enn tidligere. Samtidig var det en dyster stemning i verden, og spesielt i USA, hvis man skal dømme ut fra nyhetsbildet som ble formidlet gjennom fjernsynets stadig økende tilstedeværelse. I en tid preget av politiske skandaler, korrupte regjeringer, økende kriminalitet og økende kynisme, gjenspeilte filmene en tilsvarende melankolsk og/eller nihilistisk stemning. Selv ikke mirakelet med månelandingen i 1969 klarte å inspirere til varig beundring for stjernene, ettersom filmskaperne gjorde verdensrommet til et svært skummelt sted.
Underdog-idrettshelter, onde ånder, utenomjordiske besøkende, shaolinmunker, borgervernere, morderhaier og mye mer preger et komplisert tiår som fortsatt var preget av Vietnam og den kalde krigen. Men hvilke filmer underholdt publikum i denne urovekkende perioden? Her er de 32 beste filmene fra 1970-tallet.
32. Slap Shot (1977)
(Bildekreditt: Universal Pictures)
Arkiver denne under: Hva gjør Paul Newman her? Slap Shot, som er skrevet av manusforfatter Nancy Dowd og løst inspirert av hennes virkelige brors ishockeylag i juniorligaen som ble solgt, handler om et ishockeylag i en liten by som sliter, men som får et stort oppsving når de nyeste spillerne, brødrene Hanson, utløser spektakulære smackdowns på isen til fansenes store begeistring. Slap Shot, regissert av George Roy Hill, er eldre enn de fleste kult-sportskomedier, men denne overgår dem alle med sin huleboer-atmosfære, lattervekkende innslag og Oscar-vinneren Paul Newman – som spillertrener Ruggie Dunlop – som er uventet avslappet i rollen som en gråbefen veteran med misunnelsesverdig garderobe.
31. Wanda (1970)
(Bildekreditt: Bardene International Films)
Wanda er en milepæl innen uavhengig filmskaping, og følger en kvinne uten fremtidsutsikter som havner i selskap med en bankraner. Wanda, som ble laget av manusforfatter, regissør og hovedrolleinnehaver Barbara Loden, er et medfølende og tragisk portrett av kvinner som faller mellom to stoler i det moderne samfunnet, og gjenspeiler Lodens egne følelser av målløshet på den tiden. Loden ble diagnostisert med brystkreft noen år senere og døde i 1980, og Wanda ble Lodens eneste regissørinnsats. Men selv med bare én film påvirket Loden generasjoner av uavhengige kunstnere og satte en permanent standard for ikonoklast film.
30. Nashville (1975)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
I Robert Altmans episke musikalske komedie Nashville blir et ukelangt politisk møte og en musikkfestival et terrarium for 1970-tallets USA, der de politiske og sosiologiske vidstrakthetene kondenseres til et mikrokosmos av countrymusikkbransjen. Filmen har som kjent et stort skuespillerensemble med blant andre David Arkin, Ned Beatty, Karen Black, Shelley Duvall, Jeff Goldblum, Lily Tomlin og altfor mange flere til å nevne. Selv om Altmans film er preget av politikken og den sosiale dynamikken på midten av 70-tallet, er den fortsatt uhyggelig relevant flere tiår senere.
29. Suspiria (1977)
(Bildekreditt: Produzioni Atlas Consorziate)
Dario Argentos klassiker Suspiria fra 1977 er en gigant innen giallo-horror og et overjordisk verk om de mørke sidene ved matriarkater og feminin kunst. Jessica Harper spiller hovedrollen som en amerikansk ballerina som flytter til et prestisjefylt akademi i Tyskland, bare for å finne ut at skolen er bebodd av en hekseflokk. I dette korrupte eventyret slipper Argento løs den fulle kraften av levende Technicolor med et angrep av røde, blå og rosa paletter som virvler sammen i noe som ligner et påkallelsesritual. Kombinert med en nervepirrende atmosfære som skapes av den slående musikken til det progressive rockebandet Goblin, er Suspiria uforglemmelig grasiøs og grusom.
28. American Graffiti (1973)
(Bildekreditt: Universal Pictures)
George Lucas var bare 29 år gammel da ungdomsklassikeren American Graffiti gikk på kino til strålende kritikker. Den fremtidige Star Wars-regissøren var neppe i midtlivskrise da han utviste vemodig nostalgi for tenårene i 1962, da han var en av mange utagerende ungdommer som satte seg i en oppgradert hot rod og kjørte på eventyr i sine egne sentrumskjerner. Selv om Lucas’ navn nå er synonymt med storstilte, eskapistiske storfilmer, føles hans mest jordnære film, som følger en gjeng rock’n’roll-tenåringer en sommernatt i Lucas’ hjemby Modesto i California, fortsatt levende som et semi-selvbiografisk tidsdokument laget gjennom øynene til en som ikke er mye eldre enn hans egne karakterer.
27. The Rocky Horror Picture Show (1975)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
Denne livlige hyllesten til sci-fi- og B-skrekkfilmer, regissert av Jim Sharman og basert på musikalen fra 1973, ble for det meste ignorert da den kom ut, da den ble plaget av dårlige anmeldelser og til og med fikk verdenspremieren på Halloween i New York City avlyst. Først et år senere fikk filmen endelig en stor fanskare og befestet sin status som midnattsfilmtitan. Susan Sarandon og Barry Bostwick spiller hovedrollene som et ungt par som blir fanget i det uhyggelige herskapshuset til en gal vitenskapsmann (uforglemmelig spilt av Tim Curry). Med sin avskyelige estetikk og smittende musikk er The Rocky Horror Picture Show en evig invitasjon til å ta en Time Warp igjen og igjen og igjen.
26. The French Connection (1971)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
William Friedkins krimfilm, som regnes som en av tidenes beste filmer og inneholder en av historiens beste biljaktsekvenser, er basert på en sann historie og fanger på autentisk vis den vinterlige skitten i New York på begynnelsen av 1970-tallet. The French Connection deler tiden mellom New York og det mer naturskjønne Frankrike, og følger to hardbarkede NYPD-detektiver (spilt av Gene Hackman og Roy Scheider) som i etterforskningen av en narkoring avslører en storstilt internasjonal plan. The French Connection er emblematisk for tiårets moralske forfall og treffer fortsatt hardt etter alle disse årene.
25. Annie Hall (1977)
(Bildekreditt: United Artists)
Selv om beundringen for Woody Allen forståelig nok har dabbet av med årene, fortjener Annie Hall fortsatt en hyllest som en uhyrlig leken og dypt tankevekkende gransking av moderne romantikk. Manusforfatteren og regissøren Allen spiller i bunn og grunn seg selv (sjokkerende, jeg vet det), og filmen følger en nevrotisk komiker som lurer på hvorfor forholdet til hans siste kjæreste, Annie Hall (Diane Keaton), gikk i stykker. Annie Hall, som er løsrevet fra virkeligheten og fortelles på en ikke-lineær måte som veksler mellom hovedpersonens uvanlige barndom og hans andre mislykkede ekteskap, har lenge vært kongen av romantiske komedier, om enn med en lykkelig slutt som likevel er ulik de fleste tradisjonelle romantiske komedier.
24. Halloween (1978)
(Bildekreditt: Trancas International Films)
Du trenger bare å høre de spøkelsesaktige pianotonene for å vite at du er i nærheten av en morder i en uhyggelig hvit Kaptein Kirk-maske. John Carpenters fjerde film, Halloween, er en av de grunnleggende filmene i slasher-sjangeren og fortsatt en av de beste den har å by på. Skuespilleren Jamie Lee Curtis ble berømt som Laurie Strode, en helt vanlig high school-jente som på Halloween-natten blir forfulgt av Michael Myers (spilt av Nick Castle og Tony Moran), en nesten uovervinnelig morder som har rømt fra et mentalsykehus. Selv om Halloween har inspirert til mange oppfølgere og utgjør en av tidenes mest lukrative skrekkfilmfranchiser, er originalfilmen et selvstendig kunstverk om de fortiede traumene som lurer i nabolag overalt.
23. Kramer vs. Kramer (1979)
(Bildekreditt: Columbia Pictures)
I Robert Bentons hjerteskjærende drama, basert på en roman av Avery Corman fra 1977, avslører en bitter skilsmisse mellom et ungt par – spilt av Meryl Streep og Dustin Huffman – de mange måtene samfunnet stiller så store krav til folk om å stifte familie at knærne deres gir etter. I denne historien er det ingen skurker (bortsett fra noen idiotiske advokater), bare den kalde, harde sannheten om at kjærligheten kan komme til kort i forhold til det vi faktisk ønsker og trenger. I 1979 fant Kramer vs. Kramer gjenklang hos publikum med sin autentiske skildring av moderne familier; ifølge data fra CDC nådde skilsmisseraten rekordhøye 22,8 prosent samme år.
22. Supermann: Filmen (1978)
(Bildekreditt: Warner Bros.)
Med den kjekke Christopher Reeve i rollen som mannen av stål, sammen med Margot Kidder og Gene Hackman, trodde publikum virkelig at en mann kunne fly. Richard Donners banebrytende superheltfilm, basert på DC Comics-ikonet skapt av Jerry Siegel og Joe Shuster, beviste at tegneseriehistorier kan fortelles med skuespillere av kjøtt og blod på lerretet. I en turbulent tid preget av Vietnam, Watergate-skandalen og den eksistensielle frykten som den kalde krigen skapte, minnet Superman: The Movie publikum om at selv de med makt fortsatt kan stå for sannhet og rettferdighet. Burde ikke det være den amerikanske måten?
21. Enter the Dragon (1973)
(Bildekreditt: Warner Bros. Pictures)
Bruce Lee er en større stjerne i døden enn han noen gang var i live, og det skyldes i stor grad den forlokkende Enter the Dragon. Selv om den ble regissert av Robert Clouse, huskes Enter the Dragon best som en mulighet for den legendariske hovedrolleinnehaveren til å skinne med supernovaenergi i sin eneste Hollywood-film. Enter the Dragon er et mesterverk i kampsport-machismo, med Lee i hovedrollen som en Shaolin-munk som rekrutteres av det britiske militæret for å undersøke en forbryterherres festning på en øy. Det tragiske med Bruce Lees død, som skjedde under merkelige omstendigheter bare noen måneder før filmens premiere, var at han åpenbart var ment for så mye mer. Enter the Dragon gir bare et glimt av hva som kunne ha blitt.
20. Saturday Night Fever (1977)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
Ingenting definerer 1970-tallet som disco, og ingen film definerer disco som John Badhams Saturday Night Fever. Med sitt monsterhit-soundtrack og en ung John Travolta som svaier som en hysterisk påfugl, er Saturday Night Fever et angrep på sansene som ikke går av veien for å kikke inn i diskotekets mørke kroker. Travolta spiller en 19-åring fra arbeiderklassen som sliter i jernvarehandelen i løpet av uken for å kunne leve som en konge hver lørdag kveld på sin favorittnattklubb. Selv om magasinartikkelen som filmen var inspirert av, viste seg å være en farse, gjorde Saturday Night Fever virkelig disco til Amerikas besettelse i et uforglemmelig øyeblikk.
19. Nærkontakt av tredje grad (1977)
(Bildekreditt: Sony Pictures)
Før Steven Spielbergs egen seismiske film E.T.: The Extra-Terrestrial er hans epos Close Encounters of the Third Kind fra 1977. Etter et tilfeldig møte med en UFO havner en elektriker fra Indiana (Richard Dreyfuss) på første rad under det første offisielle møtet mellom jorden og et utenomjordisk samfunn. Close Encounters of the Third Kind er et blendende skue med en spesielt kongelig tone og atmosfære som overgår de fleste utenomjordiske invasjonsfilmer før eller siden, og var et forvarsel om en nær fremtid full av moden science fiction.
18. Hjortejegeren (1978)
(Bildekreditt: Universal Pictures)
Umiddelbart etter Vietnam-krigen nølte de fleste Hollywood-filmene med å ta et oppgjør med den mislykkede amerikanske utenrikspolitikken, som spilte mange menneskeliv som brikker. Men Michael Ciminos The Deer Hunter (med Robert De Niro, Christopher Walken og Meryl Streep på rollelisten) var blant de første og fortsatt mest bemerkelsesverdige filmene som direkte tok for seg Vietnamkrigens forferdelige erosjon av den nasjonale moralen. Selv om det er ulike oppfatninger om hvordan The Deer Hunter avvek fra det opprinnelige manuset, som var lagt til underverdenen i Las Vegas, er Ciminos film en ubarmhjertig, ublindet kraftpakke om et vennegjeng fra Pennsylvania hvis liv for alltid blir forandret av militærtjenesten i Vietnam. Det sentrale «spillet» russisk rulett ble av den store kritikeren Roger Ebert tolket som et «organiserende symbol» på tilfeldig vold som «gjør ethvert ideologisk utsagn om krigen overflødig.»
17. The Sting (1973)
(Bildekreditt: Universal Pictures)
Noen år etter å ha samarbeidet med både Robert Redford og Paul Newman i Butch Cassidy and the Sundance Kid, gjenforenes regissør George Roy Hill med de to dekorerte skuespillerne i en annen filmatisk storfilm, The Sting. Denne upåklagelig stilige og nostalgiske kriminalfilmen, som utspiller seg under den store depresjonen, handler om to svindlere som slår seg sammen for å svindle en mafiaboss. Karakterenes ufattelig forseggjorte planer komplimenteres av de fine klærne deres, et avslappet ragtime-musikkspor og en estetisk design som minner om følelsen av å bla gjennom støvete eksemplarer av The Saturday Evening Post. Med Redford og Newman på alle sylindere er det altfor lett for The Sting å lure deg som en idiot.
16. Carrie (1976)
(Bildekreditt: United Artists)
Den ultimate antimobbekampanjen noensinne må være Carrie, Brian De Palmas evigvarende skrekkklassiker. Filmen er basert på Stephen Kings like formidable debutroman og handler om en sjenert, mobbet tenåring (spilt av Sissy Spacek) som utvikler overnaturlige krefter og bruker dem til å hevne seg på hele skolen. Selv om filmens sakte film med griseblod har blitt latterliggjort til det kjedsommelige, er Carrie fortsatt fengslende i sin marerittaktige skildring av high school og hvordan den for mange uheldige er traumatiserende nok til å etterlate dype sår.
Carrie£8,99 hos Waterstones
15. Network (1976)
(Bildekreditt: United Artists)
For alle som har følt seg forbanna og ikke orker mer, finnes Network. Sidney Lumets mørkt komiske drama er en banebrytende samfunnskommentar om det uholdbare i medienes endeløse sensasjonsjag, og handler om et TV-selskap som er på randen av kollaps inntil det respekterte nyhetsankeret Howard Beale (Peter Finch) truer med å ta livet av seg på direktesendt TV. I takt med at hans mani øker i takt med at seertallene stiger, utforsker Network hvordan smak og behag kan utfordres av et skred av giftig informasjon. Network er langt eldre enn kabelnyheter og sosiale medier, men selv etter alle disse årene har den aldri mistet poenget.
14. En fløy over gjøkungen (1975)
(Bildekreditt: United Artists)
Jack Nicholson og Louise Fletcher spiller hovedrollene i MiloŠ Formans One Flew Over the Cuckoo’s Nest, et mørkt drama som utspiller seg på en psykiatrisk institusjon i Oregano, der en pasient (Nicholson) er prisgitt den tyranniske Nurse Ratched (Fletcher) og leder et opprør blant sine medpasienter mot henne. Filmen, som er basert på Ken Keseys roman fra 1962, eksisterer som en feiret anti-konformitetsmetafor, og selv om Roger Ebert i en rosende anmeldelse fra 2003 påpeker at den overforenkler løsningene på psykiske lidelser, er det egentlig ikke poenget, «for den har ingen interesse av å handle om galskap», skrev Ebert. «Den handler om en fri ånd i et lukket system.»
Det er morsomt å merke seg at filmen ble spilt inn på Oregon State Hospital, et fungerende mentalsykehus. I bytte mot at filmskaperne fikk bruke lokasjonen og skuespillerne til å skygge ekte pasienter i forskningssammenheng, måtte sykehuspasienter bli en del av filmteamet. I en artikkel i The Guardian i 2017 uttalte skuespilleren Michael Douglas, som produserte filmen: «Vi endte opp med en rekke [pasienter] som jobbet på forskjellige avdelinger. Jeg skjønte ikke før senere at mange av dem var kriminelle sinnssyke. Vi hadde en brannstifter som jobbet i kunstavdelingen.»
13. Solaris (1972)
(Bildekreditt: Mosfilm)
Tenk deg at du hater en annen film så mye at du lager din egen film bare for å stikke til dem. Det var slik den russiske filmskaperen Andrej Tarkovskij tilnærmet seg sci-fi-filmen Solaris (basert på Stanislaw Lems roman fra 1961) som et motsvar til Stanley Kubricks 2001: A Space Odyssey. Filmen utspiller seg på en romstasjon som går i bane rundt den fiktive planeten Solaris, og en psykolog (spilt av Donatas Banionis) blir sendt ut på et oppdrag for å psykoanalysere besetningen, som har rapportert at de har havnet i en følelsesmessig krise. I motsetning til Kubricks film er Tarkovskijs Solaris ikke preget av ulastelig design, men av en slitt og nedslitt estetikk som vitner om en mer genuin menneskelig erfaring. Tarkovskij instruerte sin art director: «La oss få romstasjonen til å se ut som en nedslitt gammel buss og ikke som en futuristisk romutopi.»
12. Dirty Harry (1971)
(Bildekreditt: Warner Bros.)
Da Hays-koden ble opphevet i 1968, dukket Clint Eastwood opp med en .357 Magnum i hånden med Dirty Harry i 1971. Filmen, som er regissert av Don Siegel, har Eastwood i hovedrollen som den korrupte San Francisco-politimannen «Dirty» Harry Callahan, kanskje filmhistoriens definitive antihelt på grunn av hans innbitte vilje til å opprettholde loven, noe som ironisk nok fører til at han ofte bryter den. Selv om Dirty Harry ga opphav til en franchise, er den første filmen et ruvende verk der Hollywood endelig virkelig henga seg til vold på lerretet, noe som var helt i orden når det ble rettferdiggjort av Harrys misforståtte rettskaffenhet. Eastwoods retoriske spørsmål «Do you feel lucky, punk?» symboliserer det amoralske tiårets miasma.
11. Rocky (1976)
(Bildekreditt: United Artists)
Etter å ha kjempet i årevis for å slå gjennom som skuespiller var Sylvester Stallone nær ved å gi opp skuespillerkarrieren helt til han etter hvert fikk jobb som TV-statist. Så gikk han i ringen med Rocky, og han har aldri vært den samme siden. I John G. Avildsens emosjonelle sportsdrama spiller Stallone den håpefulle bokseren og inkassatoren Rocky Balboa, som blir kastet inn i hovedrollen når tungvektsmesteren Apollo Creed (Carl Weathers) velger Rocky til å bokse en profesjonell oppvisningskamp. Rocky er et medrivende sportsdrama som inspirerte utallige lignende filmer, og er fortsatt en av tidenes beste sportsfilmer. Den skapte som forventet en franchise, med Rocky III som ga verden «Eye of the Tiger».
10. A Clockwork Orange (1971)
(Bildekreditt: Warner Bros.)
Stanley Kubricks surrealistiske dystopiske drama, en filmatisering av Anthony Burgess’ roman fra 1962, er rett og slett en av tidenes mest urovekkende filmer. Med en uhyggelig karismatisk tenåringsgjengleder (spilt av Malcolm McDowell) i sentrum skildrer Kubricks tematisk tette film ytterpunktene av ungdomskriminalitet, svekket sosialt samhold og autoriteters avmakt. Den grusomme volden på lerretet har et poeng, men dessverre har det lenge vært folk som ikke har forstått poenget, og filmen har på kontroversielt vis inspirert til etterlignende forbrytelser i virkeligheten. Til tross for at A Clockwork Orange ble trukket fra kinoene på Kubricks oppfordring, overlever den som et mesterverk som kanaliserer sine mange ideer gjennom labyrintens trange stier.
A Clockwork Orange£6,39 på Amazon£8,19 på Hit£9,69 på Hive Books
9. Chinatown (1974)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
Man kan definere Roman Polanskis Chinatown ut fra sluttreplikken: «Glem det, Jake. Det er Chinatown.» Filmens premiss er bedragersk enkelt: I 1937 engasjerer en kvinne (Faye Dunaway) privatdetektiven Jake Gittes (Jack Nicholson) til å forfølge ektemannen på grunn av mistanke om utroskap. Det som faktisk skjer, er en flerlags utgraving i de mørke dypene som menneskeheten er i stand til, og filmen bruker film noir- og mysteriekonvensjoner for virkelig å fungere som et psykologisk drama. Chinatown er ikke bare et sted i filmen, men en metafor for kaos, ondskap og meningsløshet, der det beste og mest moralske man kan gjøre er å ikke gjøre noe.
8. Apokalypse nå (1979)
(Bildekreditt: United Artists)
Francis Ford Coppola mistet nesten vettet da han lagde Apocalypse Now. Coppola var stresset på grunn av en rekke problemer under innspillingen, inkludert et for høyt budsjett, en innspillingsplan som strakk seg langt utover de planlagte fem månedene, ødeleggende stormer på Filippinene og Charlie Sheen som fikk hjerteinfarkt, og innrømmet selv i 1991: «Litt etter litt ble vi gale.» Det er vanskelig å si uten å være Coppola om smerten var verdt det, men flere tiår etter utgivelsen i 1979 er Apocalypse Now allment ansett som en megaklassiker og en edelsten i New Hollywoods kanon. Filmen er et fantasmagorisk dypdykk i Vietnamkrigen og handler om en militærkaptein (Sheen) som i hemmelighet får i oppdrag å drepe en skurkaktig oberst (Marlon Brando) som tilbedes som en halvgud av sine menn og lokalbefolkningen. Briljant og dristig, Apocalypse Now er uten tvil den definitive Vietnamkrigsfilmen, men gir gjenklang hos alle som har vært i helvete og tilbake.
7. eksorsisten (1973)
(Bildekreditt: Warner Bros.)
Dette er en film som skremte publikum så mye at jungeltelegrafen spredte seg som ild i tørt gress, noe som kanskje gjorde den til den første virale suksessen. Denne filmatiseringen av William Peter Blattys roman (som også skrev manus), regissert av William Friedkin, handler om en prest (Jason Miller) som lider av en troskrise og får i oppdrag av kirken å undersøke om en ung jente (Linda Blair) er besatt av en demon. The Exorcist var en banebrytende blockbuster som ikke bare gjorde skrekksjangeren mer mainstream, men også respektabel, og beviste at den kan så mye mer enn sminke og monstre. I dette tilfellet er det en skremmende film om hva det vil si å konfrontere det onde ved å tvile på seg selv. Litt trivia for deg: Filmen var komisk nok planlagt for premiere dagen etter jul, 26. desember. Friedkin ønsket en annen dato, men filmhistorikeren Sarah Crowther har en teori om at datoen ble valgt med vilje for å skape litt kontrovers.
6. Alle presidentens menn (1976)
(Bildekreditt: Warner Bros.)
Den 17. juni 1972 skjedde det noe i hovedkvarteret til Demokratenes nasjonale komité i Washington D.C. Dette noe var Watergate-skandalen, som ble til en bok av Washington Post-journalistene Carl Bernstein og Bob Woodward. Fire år senere ble Bernsteins og Woodwards etterforskning til en av tiårets mest definerende filmer: Alle presidentens menn, regissert av Alan J. Pakula. All the President’s Men er en film som hyller oppfinnsomhet og dydige prinsipper under et nådeløst korrupt styre, og den er fengslende nettopp på grunn av sitt lite glamorøse innblikk i gumshoe-journalistikkens sta utholdenhet. Det er et yrke fullt av lukkede dører, ignorerte telefonsamtaler og anonyme, kryptiske samtaler. Likevel slutter Pakulas film aldri å være så fengslende når to menn søker sannheten når ingen andre er i stand til å gjøre jobben.
5. Alien (1979)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
Ridley Scotts monumentale sci-fi-skrekkfilm skapte ikke bare en varig franchise og gjorde Sigourney Weaver og John Hurt til stjerner, men formet også språket og estetikken for alle fremtidige sjangerhybrider. Filmen utspiller seg i en fjern fremtid der romfart er blitt dagligdags, og det syv mann store mannskapet på det kommersielle slepebåtskipet Nostromo vekkes for tidlig opp av et nødsignal. Når de kommer tilbake etter å ha undersøkt et forlatt romskip, tar de uvitende med seg en utenomjordisk skapning som raskt vokser til en syresprutende trussel som truer dem alle. Med den ikoniske taglinen «I verdensrommet kan ingen høre deg skrike» ga Alien et nytt, skremmende ansikt til to historiske sjangre i ett slag.
4. Taxi Driver (1976)
(Bildekreditt: Columbia Pictures)
Regissør Martin Scorsese hadde tenkt at Taxi Driver skulle føles som en drøm, men den psykologiske thrilleren om en forstyrret manns oppdrag med å rydde opp i et korrupt New York City på egen hånd er mer som en feberindusert hallusinasjon. Med Robert De Niro i hovedrollen som Travis Bickle, en traumatisert Vietnamkrigsveteran og nattlig taxisjåfør, er Taxi Driver som å kikke inn i hjernen til en usikker mann som overkompenserer for sine mangler med ekstrem maskulinitet og stormannsgalskap. Flere tiår etter premieren i 1976 er Scorseses kontroversielle film – som inspirerte til minst ett attentatforsøk på presidenten – fortsatt skremmende aktuell.
3. Gudfaren (1972)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
Francis Ford Coppola kunne ha stoppet med Gudfaren, og han ville fortsatt vært en aktet filmkunstner. Coppolas udødelige film, som er basert på Mario Puzos bestselger fra 1969 om et fiktivt italiensk mafia-dynasti, har Al Pacino og Marlon Brando (samt James Cann, Robert Duvall og Diane Keaton) i hovedrollene som lederne av forbryterfamilien Corleone. I Coppolas omfattende epos, som utspiller seg mellom 1945 og 1955, går Michael Corleone (Pacino) fra å være den yngste sønnen som ikke engang vil tenke på familiens forretninger, til å overta farens rolle. Gudfaren er en ekte amerikansk klassiker og en av tidenes største filmer med sin dramatiske studie av familiedynamikk, samtidig som den fanger den italienske mafiaens stemningsfulle verden i etterkrigstidens USA.
Gudfaren£6,63 hos Amazon
2. Star Wars (1977)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
Den skapte en av de mest lukrative og anerkjente mediefranchisene i verden. Men selv om den aldri gjorde det, er George Lucas’ Star Wars-film fra 1977 (siden omdøpt til Star Wars: Episode IV – A New Hope) en kunstnerisk prestasjon av ren fantasi. Star Wars, som har sitt utspring i Lucas’ egen manglende evne til å lage en Flash Gordon-film, er først og fremst en klassisk historie om det gode mot det onde, der underdogs bevæpnet med progressive idealer likevel kan vinne over overmakten. Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness og James Earl Jones’ imponerende stemme befolker det ultimate eskapistiske eventyret fra en galakse langt, langt borte.
Star Wars£9.95på Amazon£12.98på Amazon£13.60på Amazon
1. Haisommer (1975)
(Bildekreditt: Universal Pictures)
Selv om det er sommer, betyr ikke det at du ikke bør frykte avgrunnen under deg. I Steven Spielbergs definitive monsterschrekkfilm Haisommer blir en naturskjønn strandby terrorisert av en spesielt sulten hvithai som tar livet av folk som en kalkulert seriemorder. Spielberg var en av de første virkelige Hollywood-blockbusterne, og han overvant tekniske problemer med haien på en smart måte for å skape en atmosfære av evigvarende, uforutsigbar frykt; ingenting er mer skremmende når du ikke vet hvor monsteret befinner seg til enhver tid. Selv om det finnes mange flere filmer fra 1970-tallet som fortjener tilsvarende anerkjennelse som noen av tidenes beste, er det bare én av dem som er verdig nok til å kreve en større båt.
Jaws8.1/10Se på Netflix£6.39på Amazon£9.69på Hive Books