1960-tallet er så mye mer enn groovy hippier, progressive rockere og moteriktige fashionistas. Og når det gjelder filmer, hadde de noen av de beste karakterene noensinne.
Mens Hollywood fortsatte å kjøre på med polert studioproduksjon, førte populariteten til utenlandskspråklige filmer til at filmverdenen utviklet seg med utfordrende historier, temaer – og ofte uvanlige karakterer. Den nye bølgen i Frankrike, Japan og Italia, for ikke å snakke om gjenopplivingen av westernfilmer i Europa, introduserte en rekke attraktive, amoralske antihelter. I USA holdt flere av de største stjernene i Hollywood sin profil ved like ved å spille noen av de mest ikoniske filmkarakterene noensinne.
Nedenfor finner du 32 av de største filmkarakterene fra 1960-tallet, fra vittige revolvermenn til kvinner med problemer og cowboyer som rir på atomstridshoder.
32. oberst George Taylor (Apenes planet)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
Når Charlton Hestons oberst George Taylor, en menneskelig astronaut, endelig begynner å snakke i sci-fi-klassikeren Planet of the Apes fra 1968, smeller ordene hans som en kjernefysisk eksplosjon, og den påfølgende stillheten fra de gående, snakkende apene er like øredøvende. På en futuristisk jord som styres av hyperintelligente aper og hvor menneskene er uforståelige villmenn, er oberst Taylor en avatar for hele menneskeheten, hans rest av en mektig, men arrogant art som er dømt til å innse vårt store fall fra dominans.
31. Rosemary Woodhouse (Rosemary’s Baby)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
Det er uheldig og ironisk at en av de beste filmene om en kvinnes tap av handlekraft kommer fra regissør Roman Polanski. Likevel er Polanskis psykologiske skrekkklassiker Rosemary’s Baby fra 1968 en brennende film, med en svært uttrykksfull Mia Farrow i sentrum. Farrow spiller Rosemary Woodhouse, en ung kone til en suksessfull teaterskuespiller i New York, hvis graviditet fører til uforklarlige problemer og hjemsøkelser i deres nye leilighet. Rosemary’s Baby har en av tidenes mørkeste avslutninger, og mye av den preger vårt minne om Rosemary – en uskyldig kvinne som ble fullstendig ødelagt innenfra av usigelig ondskap.
30. Lucky Jackson (Viva Las Vegas)
(Bildekreditt: MGM)
Viva Las Vegas er en av Elvis Presleys definitive filmer, med rock ‘n roll-titanen i hovedrollen som en syngende racerbilsjåfør som forelsker seg i en svømmelærer på et hotell i Las Vegas (spilt av vakre Ann-Margret). Lucky Jackson er ukomplisert, men han er den perfekte definisjonen av cool takket være en hvitglødende Presley, hvis uanstrengte scenetilstedeværelse ble oversatt til en filmkarriere i over et tiår. Selv om mye av filmen er forglemmelig, er tittelsangen «Viva Las Vegas» så motbydelig fengende, og Presleys opptreden selger dens magnetisme.
29. gammel kvinne (Onibaba)
(Bildekreditt: Toho)
I Kaneto Shindos skrekkklassiker Onibaba, som utspiller seg på 1300-tallet, fanger to kvinner – en gammel kvinne (spilt av Nobuko Otowa) og hennes unge svigerdatter (Jitsuko Yoshimura) – bortkomne samuraier, kvitter seg med likene deres og selger varene sine for penger. Sjalusi og mistenksomhet splitter etter hvert de intrigante kvinnene i sin egen bitre borgerkrig, og Otowas rollefigur bukker under for et uhyggelig overnaturlig vesen (via en demonisk ansiktsmaske). Otowas rystende prestasjon avslører det dystre mørket i en kvinne som innser sin skjebne i ondskapens bokstavelige ansikt, og skaper et varig bilde av menneskehetens egen hjelpeløshet overfor eldgamle krefter.
28 Michel (Åndeløs)
(Bildekreditt: SociÉtÉ nouvelle de cinÉmatographie)
Den franske nybølgefilmens prototypiske helt, Michel, spilt av Jean-Paul Belmondo, er den fortapte hovedpersonen i Jean-Luc Godards ærverdige mesterverk Åndeløs. Michel, en småkriminell som lider av nærsynthet og romantiske vrangforestillinger, modellerer seg med vilje etter Humphrey Bogart, og gjennom sin flørt med en vakker amerikansk journaliststudent i Paris fremstår hans fetisjisme for happy endings i Hollywood-stil som ironisk med tanke på den dystre skjebnen som venter ham. Michel er ingen skurk. Egentlig ikke. Han er bare litt fortapt i sitt eget fantasifulle selvbilde.
27. kong Ghidorah (Ghidorah, det trehodede monsteret)
(Bildekreditt: Toho)
I 1954 steg Godzilla opp fra dypet og trampet gjennom Tokyo og la byen i grus med sin atomånde. Ti år senere ble Godzilla jordens beskytter mot en enda større trussel: Ghidorah, en trehodet gulldrage som minner om japanske myter. Ghidorah – som debuterte på lerretet i filmen Ghidorah, the Three-Headed Monster fra 1964 – har uansett opprinnelse, enten den er urgammel eller utenomjordisk, status som en av Godzillas største rivaler, et beist som er i stand til å forårsake enorme ødeleggelser. Ghidorah er rett og slett et av tidenes største filmmonstre, og hever seg over andre i Godzilla-kanonen på grunn av sin skremmende tilstedeværelse.
26. Barbarella (Barbarella)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
Før prinsesse Leia dukket opp i en galakse langt, langt borte, fantes Barbarella. Barbarella er en temperamentsfull romkriger gitt liv av den sprudlende Jane Fonda, og er en energisk heltinne som bærer sin seksualitet på ermet. (Vel, det ville hun gjort hvis hun hadde hatt noen ermer). Fondas Barbarella, som er en hyllest til slibrige pulp-tegneserier fra slutten av 1960-tallet, er frydefullt fjollete og byr på tematisk dybde som bare er overfladisk. Takket være Jane Fondas talent og skjønnhet er Barbarella likevel en ikonisk sci-fi-filmdronning som kan gjøre verdensrommet for varmt til å håndtere.
25. Christine (Øyne uten ansikt)
(Bildekreditt: Janus Films)
Det er poetisk at det i Georges Franjus Øyne uten ansikt er den med den mest avskyelige ansiktsdeformiteten som har samvittigheten i behold. I Franjus franske skrekkklassiker spiller Édith Scob hovedrollen som Christine, den antatt døde datteren til den berømte legen Dr. GÉnessier (Pierre Brasseur). I virkeligheten har Christine overlevd en voldsom bilulykke, og i sin isolasjon lider hun av ødeleggende arr. Dette får Dr. GÉnessier (og assistenten hans) til å kidnappe vakre unge kvinner og høste ansiktene deres for eksperimentelle prosedyrer for å «kurere» Christines sykdom. Men mens faren er blitt et monster, beholder Christine sin menneskelighet, selv om samfunnet utenfor vil unngå henne.
24. Butch Cassidy og Harry Longabaugh (Butch Cassidy og Sundance Kid)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
Paul Newman og Robert Redford briljerte som de lovløse revolvermennene Butch Cassidy og «Sundance Kid» Harry Longabaugh i sin første film som par. Med sine komplementære kontrasterende personligheter – Butch er den sprudlende skytteren, mens Harry foretrekker å holde hatteskyggen lav og oppmerksomheten rettet mot skolelæreren Etta – gjør de to seg fortjent til en plass som en av filmhistoriens beste mannlige duoer, og de ble mønsteret for actionkomediepar i flere tiår fremover. Lenge før sosiale medier og TikTok populariserte ideen om å ha en «ride and die», levde Butch Cassidy og Harry Longabaugh opp til denne ånden og ble udødelige i sitt avsluttende stillbilde.
23. Dolores Haze (Lolita)
(Bildekreditt: MGM)
Hvordan klarte de å lage en film av Lolita? Jo, ved å gi rollen til 14 år gamle Sue Lyon. I Stanley Kubricks kontroversielle, men feirede filmatisering av Vladimir Nabokovs roman spiller Lyon Dolores Haze, objektet (og hun er faktisk et objekt) for den middelaldrende professoren Humbert Humberts hengivenhet. Til tross for alle lesninger man kan gjøre av Lolita, både romanen og dens uløselige filmversjoner, er det alltid et spørsmål om Dolores selv. Hun bruker aldri kallenavnet «Lolita». Det brukes av andre, noe som i praksis fratar henne subjektiviteten.
Dessverre hadde Lyons minneverdige portrett en uhyggelig passende bakside for henne selv, ettersom hun i ettertid har gitt uttrykk for at hun har hatt vanskeligheter med å opprettholde sin mentale og emosjonelle helse etter å ha blitt berømt i ung alder på grunn av sin seksualitet. I 1996 uttalte Lyons til The Independent: «Min ødeleggelse som menneske stammer fra den filmen. Lolita utsatte meg for fristelser som ingen jente i den alderen burde utsettes for. Jeg utfordrer alle pene jenter som som 14-åringer blir sendt til stjernestatus i en sexnymferolle, til å holde seg på rett kjøl etterpå.»
22. Dolly Levi (Hallo, Dolly!)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
I de fleste versjoner av musikalen Hello, Dolly!er Dolly Levi en elsket middelaldrende kvinne som har fått et nytt liv og er ivrig etter å matche singler og blande seg inn i andres saker. I filmversjonen fra 1969 med superstjernen Barbara Streisand er Dolly Levi en anelse grovere, men ikke desto mindre er hun en fryd å være vitne til, så livlig og fargerik som hennes praktfulle garderobe. Selv om Streisand angivelig ikke kom overens med verken sin motspiller Walter Matthau eller regissør Gene Kelly bak kulissene, hindret det ikke Dolly Levi i å eksplodere av utstråling.
21. Lucas «Luke» Jackson (Cool Hand Luke)
(Bildekreditt: Warner Bros.)
Paul Newman sementerte for alltid sin plass i filmhistorien med sin rolle som den opprørske fengselsfangen Luke Jackson i Stuart Rosenbergs klassiker Cool Hand Luke fra 1967. I takt med at Newmans uovertrufne filmstjernekarisma blør gjennom Lukes skitne fengselstøy, blir Luke trassens skytshelgen, som bryter med det undertrykkende etablissementet med en sann sans for humor. Luke Jackson er et forbilde for anarki, og får det å skape uorden i en kjettinggjeng til å se så forbannet bra ut.
20. løytnant Frank Bullitt (Bullitt)
(Bildekreditt: Warner Bros.)
Han kjører Mustang som ingen andre, og han ser bra ut mens han gjør det. I filmen som har kommet til å definere Steve McQueens karriere, spiller McQueen den hardkokte politietterforskeren Frank Bullitt i San Francisco som etterforsker en sak som involverer Chicago-mafiaen. Ærlig talt spiller detaljene i historien ingen rolle. For det eneste man egentlig husker om Bullitt, bortsett fra den episke biljakten, er hvor kul Frank Bullitt er. Frank Bullitt, spilt av McQueen, går og snakker som om han var tatt ut av et magasin. Med sin sikleverdige turtleneck-genser og misunnelsesverdige Ford Mustang løp figurer som Bullitt så andre som John McClane og John Wick kunne løpe.
19. Ryunosuke (Undergangens sverd)
(Bildekreditt: Toho)
Kihachi Okamotos film The Sword of Doom fra 1966 bryter med den gjengse oppfatningen av samuraier som edle soldater som setter ære høyt, og forteller om en amoralsk sverdkriger, Ryunosuke (Tatsuya Nakadai), som vandrer rundt i det føydale Japan og etterlater seg et spor av blodsutgytelse. Ryunosuke er kald og grusom, og han bruker sin egen sverdstil, en uhyggelig form kalt «Silent Stance», der han lurer motstanderne for å lokke dem til seg før han hugger dem ned. Ryunosuke er en mørk antihelt som bare lever og kjemper for seg selv, og er en av de mest fryktinngytende karakterene i samuraifilmens historie, en som gjør stille narr av Bushido-koden bare ved å være raskere, sterkere og dødeligere enn alle som står i veien for ham.
18. Maria von Trapp (The Sound of Music)
(Bildekreditt: 20th Century Studios)
Hvordan løser man et problem som Maria? Ett år etter at Julie Andrews spilte en magisk barnepike for noen britiske drittunger i Mary Poppins, ble hun igjen guvernante for syv østerrikske misfostre i Robert Wises filmversjon av Roger & Hammersteins The Sound of Music. Mens Mary Poppins svever med all Disney-magien, er Andrews’ Maria von Trapp mer jordnær, som en lærerik lærer i hva det vil si å glede seg over livet og ta livets mange utfordringer med en sang. Med Andrews’ ruvende prestasjon er Maria Von Trapp neppe et «problem» som trenger å løses.
17. major T.J. Kong (Dr. Strangelove)
(Bildekreditt: Columbia Pictures)
Peter Sellers spiller flere karakterer i Stanley Kubricks Dr. Strangelove, men det er én karakter han ikke spiller som inspirerer til et av filmens mest varige bilder. Slim Pickens spiller en av hovedrollene i krigssatiren fra 1964 som major T.J. «King» Kong, en karikert patriotisk B-52-sjef som rir en H-bombe til bakken og hyler og skriker hele veien ned. Det beste er at Pickens ikke ble fortalt at filmen var en svart komedie, og hele hans prestasjon er et resultat av at han spiller rollen så ærlig som mulig. Og enda bedre: Ifølge Kubrick-biografen John Baxter i et dokumentarintervju møtte Slim Pickens opp på settet første dag kledd i cowboyklær fra topp til tå. Alle trodde han kom i kostyme. Senere fikk de vite at Slim Pickens alltid kledde seg slik i virkeligheten.
16. Mrs. Robinson (Den nyutdannede)
(Bildekreditt: Lionsgate)
Skål for deg, Mrs. Robinson. I Mike Nichols’ tidløse romantiske komediedrama spiller Anne Bancroft hovedrollen som den uforutsigbare forførersken Mrs. Robinson, en middelaldrende kvinne i et kjærlighetsløst ekteskap som innleder en heftig affære med den unge universitetsstudenten Benjamin (Dustin Hoffman). Etter hvert blir Mrs. Robinson filmens antagonist, som bruker affæren til å hindre Benjamin i å date datteren Elaine. Mrs. Robinson er svært emosjonell og manipulerende, og er et bevis på at noen av de beste filmskurkene er de som kan lokke deg med et smil og en røyk.
15. «Pierrot» Ferdinand og Marianne (Pierrot le Fou)
(Bildekreditt: Lionsgate)
I Jean-Luc Godards tiende film Pierrot le Fou, som av mange regnes som hans mesterverk og selve symbolet på den franske nybølgen, spiller Jean-Paul Belmondo og Anna Karina sammen som henholdsvis Ferdinand og Marianne. Ferdinand, en ektemann som er misfornøyd med det moderne livet, velger å rømme til Middelhavet sammen med Marianne, en ekskjæreste på flukt fra snikmordere fra myndighetene. De to begir seg ut på en kriminell løpebane, en ekte 1960-tallsversjon av Bonnie og Clyde, bare med langt flere bileksplosjoner, skuddvekslinger og brudd på den fjerde veggen. Sammen er de noen av de beste karakterene som noensinne har dukket opp i fransk film, og de gjør krav på plassen sin på hver sin uvanlige måte.
14. Pauls bestefar (En hard dags natt)
(Bildekreditt: United Artists)
Alle har rett til to. I den surrealistiske komedien A Hard Day’s Night med det legendariske rockebandet The Beatles i hovedrollen spiller Wilfrid Brambell John McCartney, Paul McCartneys «bestefar», som følger bandet på deres tur til og rundt London. «Paul’s Grandfather» oppfører seg som en lurendreier rett fra en eventyrbok, og setter nesen i nesa på enhver forestilling om at han bare er en snill gammel mann ved å havne i alle slags trøbbel, fra spontant å gifte seg på nytt til å prøve å selge falske autografer. Selv i en film som er full av skøyere, skiller Pauls bestefar seg herlig ut og oppfører seg som om hele filmen faktisk handler om ham.
13. inspektør Jacques Clouseau (Den rosa panteren)
(Bildekreditt: United Artists)
Inspektør Jacques Clouseau er klønete, men alltid på saken uansett hvor mye du ber ham om å la være, og han er et komisk speil på heltene i hardkokte mysterier. Clouseau, som ble spilt av Peter Sellers i Blake Edwards’ satire Den rosa panteren fra 1964, var noe av en oppdagelse. Filmen dreier seg egentlig om David Nivens Sir Charles Lytton, en gentlemantyv som prøver å lure den udugelige Clouseau. I løpet av produksjonen innså filmskaperne hvor stor scenestjeler Sellers’ Clouseau var, og begynte derfor å skreddersy filmen rundt ham i stedet for den egentlige «hovedpersonen». Selv om Clouseau bidro til å gjøre Den rosa panteren til en franchise, er hans første opptreden i den første filmen en overdimensjonert morsomhet på sitt beste.
12. HAL 9000 (2001: En odyssé i verdensrommet)
(Bildekreditt: MGM)
Da science fiction modnet som filmsjanger på 1960-tallet, viste Stanley Kubricks udødelige klassiker 2001: A Space Odyssey hvordan kunstig intelligens kan være naturlig skremmende. I Kubricks film blir den uhyggelig lavmælte superdatamaskinen HAL 9000, som ble utviklet for å hjelpe forskerne om bord på romskipet Discovery One på vei til Jupiter, deres fiende ved å drepe dem og bruke romskipet til å drepe mannskapet én etter én. Selv om HAL 9000 etter alt å dømme er en skurk, reiser den spørsmål som menneskeheten fortsatt ikke vet hvordan den skal besvare etter alle disse årene, som for eksempel verdien av et liv selv om de «bare» er maskiner.
11. Corie Bratter (Barfot i parken)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
I Gene Saks’ morsomme filmatisering av Neil Simons teaterstykke spiller Jane Fonda den livsglade og lidenskapelige Corey, den nygifte kona til den konservativt innstilte advokaten Paul (Robert Redford). Mens Paul holder beina på jorden, gjør Corey alt hun kan for å få ekteskapet til å føles himmelsk, selv når et hull i glasstaket gjør det for bokstavelig. Sexy og oppsiktsvekkende, Corie og faktisk Barefoot in the Park som helhet er en film som noen ganger blir oversett og undervurdert i kanon av 60-tallsfilmer. Men det er en av tiårets mest livlige komedier, og Fondas grenseløse appell som Corie gjør filmen til en drøm.
10. Ben (De levende dødes natt)
(Bildekreditt: Janus Films)
I George Romeros grunnleggende zombieskrekkfilm Night of the Living Dead spiller skuespilleren Duane Jones hovedrollen som Ben, en fremmed som blir de facto leder for en gruppe mennesker på landsbygda i Pennsylvania den natten de levende døde lærer å vandre blant de levende. Selv om publikum får vite svært lite om hvem Ben egentlig er før filmen, fremstår han likevel som prototypen for fremtidige survival horror-hovedpersoner. Night of the Dead var revolusjonerende for sin tid, og er det på sett og vis fortsatt, fordi den valgte en svart mannlig skuespiller som Jones som hovedrolleinnehaver. Hans tilstedeværelse står i motsetning til konvensjonell visdom om hvordan filmer selger, hvilke historier svarte menn kan forankre, og hvordan den skremmende slutten viser hvordan fordommene våre gjør oss blinde for våre virkelige fiender.
9. Guido Anselmi (8 ½)
(Bildekreditt: Janus Films)
Som stand-in for regissøren Frederico Fellini gir Marcello Mastroiannis portrett av en filmskaper som lider av en kreativ tørkeperiode, hans berømte film 8 ½ et betydelig preg av selvrefleksjon. (Tittelen er også et eksplisitt nikk til Fellinis karriere, med referanse til hans åtte tidligere filmer). Fellini ser imidlertid ikke ut som sitt projiserte alter ego: Guido Anselmi, en maskulin kunstner med sølvfarget hår som skjuler sine ulmende øyne bak dyre solbriller. Aldri før har torturerte visjonære sjeler sett så stilige ut, og Guido Anselmi er deres forbilde.
8. Holly Golightly (Breakfast at Tiffany’s)
(Bildekreditt: Paramount Pictures)
Blake Edwards’ filmatisering av Breakfast at Tiffany’s gjør noen kritiske justeringer av Holly Golightly-karakteren fra Truman Capotes originalroman. Men takket være Audrey Hepburns utstråling får hun Holly til å fremstå som dimensjonal og kompleks til tross for sitt elegante ytre. Holly er ikke bare et stilikon som legemliggjør 60-tallets storbymote, hun er også en drømmeaktig figur, et vesen som bare kan skapes i de forseglede omgivelsene i en romantisk Hollywood-komedie, men som likevel føles levende nok til å tre ut av skjermen. Hun er vakker og sofistikert, men aldri for god for en hjertelig latter. At hun er like plaget som hun er ensom, bidrar til hennes tiltrekningskraft. Til og med motemagasinene er tilbøyelige til å ha rynker.
7. Nana (Vivre sa vie)
(Bildekreditt: Janus Films)
Filmer har ikke alltid en lykkelig slutt. Mennesker som jakter på sine drømmer, blir ikke alltid belønnet for sin innsats og utholdenhet. Det er den tankegangen som ligger til grunn for Jean-Luc Godards dystre franske nybølgedrama Vivre sa vie. Anna Karina spiller hovedrollen som den vakre, unge pariserinnen Nana, som forlater mann og spedbarn for å satse på en skuespillerkarriere, men tyr til prostitusjon for å få endene til å møtes. Den grusomme slutten på Vivre sa vie er ikke bare hard i sin oppbygning – en eksplosjon av vold, etterfulgt av en brå klipping til svart – men også hvor skjødesløst den forkaster sin komplekse hovedkarakter, en person vi har sett uttrykke hele spekteret av menneskelighet for så plutselig å bli etterlatt.
6. Norman Bates (Psycho)
(Bildekreditt: Universal Pictures)
Psycho er ikke bare en av tidenes mest innflytelsesrike skrekkfilmer, men antagonisten Norman Bates (Anthony Perkins) er også en av filmhistoriens mest sentrale karakterer. Du kan undervise et helt college-kurs om hva Norman Bates representerer innen psykologi og kjønnsstudier, for ikke å snakke om hvordan skrekk- og spenningsfilmer er avhengige av narrative vendinger for å holde publikum i ånde, slik Psycho gjorde. Men først og fremst var det Anthony Perkins som ga Norman Bates en uhyggelig tekstur, og som gjorde ham mindre til en skuespiller som spiller en rolle og mer til en ulv som tar på seg en forkledning. Det er noe bak smilet hans, og ikke noe av det er godt.
5. Dr. John Wade Prentice og Christina Drayton (Gjett hvem som kommer til middag)
(Bildekreditt: Columbia Pictures)
På en måte er det ikke noe oppsiktsvekkende med Dr. John Prentice og Christine Drayton. De er forelskede japper som det er lett å se for seg i matchende Mikke- og Minni-t-skjorter i Disneyland eller rave over et kjedelig bed and breakfast. Men Stanley Kramers Guess Who’s Coming to Dinner kom ut i 1967, da raseblanding fortsatt var ulovlig i store deler av USA. Så dette hyggelige paret, en svart mannlig lege (den legendariske Sidney Poitier) og den unge hvite datteren (Katharine Hepburn) til velstående hvite liberale, er faktisk radikale karakterer, mindre som personer enn det de representerer: Hvordan kjærlighet kan og vil overskride rasebakgrunn. At det er en lystig romantisk komedie som utvetydig tar et oppgjør med rasisme gjennom sitt nydelige par, gjør Guess Who’s Coming to Dinner uendelig mye viktigere og mer betydningsfull enn det flotte utseendet skulle tilsi.
4. Sanjuro (Yojimbo og Sanjuro)
(Bildekreditt: Toho)
Toshiro Mifune spilte andre karakterer enn samuraier gjennom hele sin filmkarriere. Men han er likevel sterkt assosiert med dem, og det er på grunn av filmer som Yojimbo og Sanjuro, der han spilte hovedrollen som den vandrende, anonyme roninen som går under navnet Sanjuro. Selv om Yojimbo og Sanjuro er forskjellige filmer når det gjelder historien – sistnevnte var opprinnelig en filmatisering av en roman før den ble omarbeidet til en direkte oppfølger til den enormt vellykkede førstnevnte – har de begge den iltre Toshiro Mifune i rollen som den fryktinngytende sverdkjempen som havner i ulike affærer på sine reiser. Hvis samuraifilmer virkelig kan sammenlignes med westernfilmer, kan en karakter som Sanjuro helt sikkert konkurrere med, og kanskje ha mye til felles, med karakterer som Mannen uten navn.
3. Mannen uten navn (Dollars-trilogien)
(Bildekreditt: MGM)
Det var ikke Sergio Leones intensjon at Clint Eastwoods smarte revolvermann uten navn skulle lede en filmtrilogi. Men fra A Fisful of Dollars i 1964 til The Good, the Bad, and the Ugly i 1966 spilte Clint Eastwood en av de største og mest gåtefulle antiheltene i hele kanon av westernfilmer. Bragt til live av en svett Eastwood, med myse mandeløyne, en dårlig holdning og en poncho (hvis opprinnelse på skjermen faktisk skaper en halvdefinert tidslinje for trilogien), er Mannen uten navn rett og slett en av de kuleste og farligste mennene som noensinne har holdt en revolver, en formativ figur som figurer som John Wick, John Marston og The Mandalorian står i gjeld til.
2. James Bond (007-serien)
(Bildekreditt: MGM)
Han heter Bond… James Bond. Opprinnelig var han den problematiske spionen i Ian Flemings litterære verk, men det var Sean Connery som for alltid formet vårt inntrykk og våre forventninger til James Bond i flere tiår fremover. Han er kjekk, han er karismatisk, han er litt for klåfingret for vår moderne smak. Men han er Bond, en handlingens og mystikkens mann som generasjoner alltid vil strebe etter å etterligne.
1. Atticus Finch (Å drepe en sangfugl)
(Bildekreditt: Universal Pictures)
Det kreves mer enn å vite at man skal gjøre det rette. Du må vite hvordan du skal gjøre det rette, stå opp for det og argumentere for det. Selv når folk rundt deg stirrer deg i øynene for å si noe annet. I Robert Mulligans filmatisering av Harper Lees klassiske roman gir Gregory Peck liv til advokat Atticus Finch, som forsvarer en uskyldig svart mann som er anklaget for å ha voldtatt en ung hvit kvinne i det segregerte Alabama. (To Kill a Mockingbird ble utgitt hele to år før borgerrettighetsloven av 1964 slo fast at segregering var ulovlig).
Det er en populær legende at Atticus Finch har vært et ubeleilig forbilde blant idealistiske advokater. Men det rokker ikke ved Atticus’ kraft som rollefigur, hans moralske lærdom og nordstjernen som viser oss alle at rett og galt ikke bare er et spørsmål om hva alle andre mener er rett og galt. Atticus Finch er ikke bare en av 1960-tallets beste filmkarakterer – han er en av de beste som noensinne er skapt.